La artista uruguaya nos concedió una encantadora entrevista para Velvet Hunting. Hoy vamos a conocer a una artista de 25 años que nos muestra con delicadeza sus ideas más fuertes: Melanie Cobham.

ENTRE EL CAMPO Y EL ARTE

Melanie es una preciosa combinación entre la añoranza, la tranquilidad y la tierna caricia del campo uruguayo, con la firmeza y vigor de sus ideas creativas. Juega tenis desde los 6 años, hija de una madre psicoanalista y un padre dedicado al campo.

 “Siempre me gustaron las artes y hacer cosas con las manos. Desde que vivía en el campo los modos de entretenimiento eran distintos. Cosíamos, armábamos cosas. En mi casa siempre se hacía toda la comida, se ordeñaba la vaca, se hacía la mermelada, la miel… todo era con las manos. Creo que crecí con eso y me influenció bastante al escoger una carrera que fuera más artesanal y creativa”

Cuando recuerda sobre el campo, mientras me habla, tiene una gran sonrisa. Es claro que su descubrimiento artístico ha crecido junto a ella misma, entre el tiempo apacible que regala el campo uruguayo y el movimiento de sus manos. Sus padres no venían de un contexto artístico, por lo que Melanie tuvo que luchar un poco para dar a entender a su familia lo que se puede hacer y construir con una carrera en el arte.

Así, desde los 18 años ha batallado por defender su camino con el arte. Empezó a trabajar en un colegio dando clases de arte, convirtiéndose en una institución que respaldaba sus sueños. Melanie pudo así continuar haciendo lo que siempre quiso hacer. “Mis padres entendieron que era un estilo de vida bastante difícil y sacrificado. No hay fines de semana o vacaciones. Cuando me vieron totalmente comprometida y que le ponía el 200% a todo lo que hacía, me dieron el espacio para desarrollarme.”

SER Y CREAR

Según Melanie el arte es la única carrera que te permite enlazar el ser y tu profesión íntimamente. “Mi hermano por ejemplo estudia economía. Pero él va a la facultad, estudia o trabaja y cuando termina deja de ser economista y pasa a ser otra cosa. Pasa a ser su yo de ocio o de lo que sea. Yo nunca paso a ser otra persona, el arte como profesión y yo, estamos interconectados. Incluso los momentos que no tienen que ver con arte me nutren”. Para Melanie, ser artista no es distinguible de estar viva.

Hoy la artista uruguaya está explorando y explorándose a sí misma muy lejos del campo en dónde comenzaron sus planes y sueños. Melanie Cobham es hoy una estudiante de arte contemporáneo en la Universidad de Melbourne.

UNA COMPOSICIÓN DE MUCHAS TÉCNICAS

Ella es un compuesto armonioso de muchas técnicas, desde la fotografía hasta el bordado o la joyería, y sobre todo una combinación de simbolismo e investigación:

“Mi forma de ser es bastante ordenada y estructurada. Lucho bastante con mi propia estructura porque eso trunca un poco mi proceso creativo. Mi trabajo responde mucho a la investigación, es muy lento, muy pensado. De hecho, tengo un cuaderno donde escribo todo, todas mis ideas. Siempre es a través de la escritura que mis ideas se refinan en cosas más claras. A veces escribo sobre nada o sobre el folleto de una exhibición. Después cuando se convierte en algo más interesante empiezo a investigar, mucho”

Aunque Melanie siempre regresa al dibujo, la escritura hace parte indispensable de su desarrollo creativo. Definir su arte como uno solo, de una sola vía, no solo sería simplista, sino que ignoraría gran parte de su trabajo. El proceso artístico de Melanie está construido en el caos de un genio.

“Hay pocos trabajos que sean mis favoritos porque todos mis trabajos pasan por un ciclo en donde odio lo que estoy haciendo y luego creo que tal vez no están tan mal, después me parece genial, luego lo odio de vuelta y así todo el tiempo.”

Amar una pieza, odiarla, volver a amarla, estudiar, investigar, volver a estudiar y terminar, por fin, con una obra entre sus manos es probablemente un proceso arduo, pero que solo alguien con el carácter de Melanie podría lograr. Entre sus tímidos silencios siempre está creando, y eso es maravilloso.

SU ATREVIDA TIMIDEZ

“Soy bastante tranquila y me cuesta un poco el networking, tal vez soy algo tímida, no me gusta estorbar” me dice. Pero su timidez no entorpece su trabajo, lo alimenta; la soledad de su estudio y su constante formación, la búsqueda constante para cultivarse en silencio, le ha dado un estilo único a sus piezas.

“Me estoy proponiendo salir más de la soledad de mi propio estudio, trabajar más con otros para dejar que otras personas me nutran en mi percepción del mundo”

El trabajo artístico de Melanie no deja de evolucionar. A pesar de no tener una personalidad confrontativa, Melanie ha construido un arte reivindicativo y político. “Al principio fue una búsqueda de identidad personal, pero se convirtió en una de identidad nacional“. Y claro que lo hizo: Melanie ha tratado de entender cómo Uruguay siendo un país colonizado trata de entender su propia identidad y qué dificultades trae eso.

En su ultima pieza recrea la bandera de los 33 orientales con su lema LIBERTAD O MUERTE, pero en idioma esperanto. “Quise reinterpretar la bandera, que fue la que se usó en la revolución. Esa bandera tiene un lema ‘Libertad o Muerte’, en español;¿Para quién estaba escrita esa leyenda?  El texto lo cambié a esperanto, un idioma creado para fomentar el entendimiento entre las naciones en caso de emergencia”.

La artista también tiene una vena feminista muy marcada, incluso desde antes de viajar a Australia. Inspirada por historias de sus amigos cercanos y de grandes artistas como la fotógrafa Diane Arbus, Melanie ha logrado delimitar sus ideas en sus piezas. Y al estar en un espacio de retroalimentación permanente en Australia ha logrado nutrir estás ideas con relación al feminismo.

DECONSTRUIRSE Y DESAPRENDER

Me cuenta que un día, la Melanie de unos 17 años realizó una pequeña exposición en su país natal. “Una mujer se me acercó llorando, me dijo algo y luego se fue. Sentí que mi mensaje estaba llegando y que yo no estaba errada en lo que estaba haciendo. Fue la primera vez que expuse y me sentí completamente expuesta y vulnerable, como desnuda. Pero al mismo tiempo sentía que iba por el camino correcto”

Ella misma reconoce la sutileza de los mensajes en su piezas y obras. Sin dejar de ser firme y fuerte, Melanie es delicada y liviana. “Busco que la imagen, en lugar de crear un choque, siembre una semilla. Esa semilla sigue creciendo y sigue creando otras ideas. Yo paso a ser parte de la vida del observador, y para mí la única forma de lograr eso es a partir de la sutileza. Pero una sutileza que no pierda su poder, que sea potente y cargada de información.”

Cuando quise averiguar sobre cuál era objetivo de esta sutileza, de la fortaleza, de la escritura, del dibujo, de la bandera, me dijo algo que de hoy en adelante aplicaré cada vez que quiera enfrentarme a algo, incluso a mi misma:

“Creo que mi objetivo es fomentar que otros desaprendan y deconstruyan cosas en silencio y en soledad. Quiero ayudar a un proceso interno de deconstrucción. Quiero que la gente se dé un tiempo para mirar. Estamos todos muy apurados y al final pasa todo lo importante. Está bueno que la gente se cuestione sus estructuras, se haga preguntas”

¿Lograr hacer tambalear los cimientos de los seres humanos de forma tan delicada y con tanto cuidado? Melanie Cobham puede hacerlo. Lo hizo conmigo, y espero que lo haga con quien lea aquí un fragmento de su historia.

Artículo por Helena Rodríguez

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“Cultivar es el mayor acto de rebeldía”

El hombre turbulento, reformador, provocador y rebelde que nos obsequió una entrevista, no solo nos dejó con preguntas, nos dejó con una angustia existencial que volveríamos a vivir una y diez veces más.

En Velvet Magazine Latinoamérica conversamos con Eduard Aristizábal, el director de FUNCENER (Fundación Centro de Entrenamiento en Energías Renovables) y el creador de uno de los ejemplos de rebeldía más grandes de Bogotá: una casa de Arquitectura Bioclimática.

Conocimos una casa que no necesita de la sombra de ninguna empresa para tener su agua o su energía. Una casa viva, autónoma y llena, por completo, de muros verdes. Una casa que hoy sirve como ejemplo y centro de formación en arquitectura sostenible, energías renovables y prácticas ambientales.

Fue el hombre detrás de este gran sueño insurrecto, el que nos contó la historia de esta casa rebelde. En Velvet Hunting les damos la bienvenida a un movimiento, a una verdadera revolución.

EL INGENIO Y EL HOMBRE

Eduard Aristizábal es un profesional en filosofía que formó parte de los Boy Scouts desde los 6 años. Desde ese momento, la relación Hombre-Naturaleza comprometía gran parte de sus pensamientos y cuestionamientos. Nos dice: “Ya desde pelao me había dado cuenta de que hacia donde iba la sociedad no iba a beneficiar mucho las condiciones de otros seres vivos”.

Hijo de agricultores, desde niño supo sobre el cuidado de las plantas, los animales y el manejo adecuado de los recursos. Pasando los años quiso tener una visión más práctica de los problemas a los que tendría que dársele una pronta solución.

El talento lo tenía, sus inquietudes las reafirmaba. Pero nos cuenta que cuando le preguntó a alguien en un congreso “¿Qué tengo que hacer, desde que me levanto, para poder ser sostenible? Desde la práctica, no cómo los políticos que solo hablan mierda” … no encontró respuesta.

Tal vez el no haber encontrado respuesta en ese momento fue justo lo que necesitábamos todos para hoy poder ver esta casa.

LA TÉCNICA SUPERA LA IDEA

Después del estudio, la lectura, la investigación y la experiencia, Eduard empieza a crear el sueño. “En el 2007, empecé a indagar sobre la necesidad de tener un espacio lúdico, pasar de ese discurso sostenible a acciones concretas. Una casa en un contexto urbano contaminado, muy contaminado, que sirviera como ejemplo a la comunidad de como se interpretaba la sostenibilidad”.

Abriendo los brazos cómo si nos mostrara un nuevo mundo, uno que no conocemos, nos dice: “Y este es el producto de la práctica, la casa bioclimática.” Esta casa es un ejemplo vivo de cómo interpreta Eduard Aristizábal y la organización FUNCENER, la sostenibilidad. Es un ejemplo de cómo deberían ser las casas o edificaciones para “trabajar con la naturaleza y no en contra de ella.”

LA CASA VIVA

La casa era una casa a punto de caerse. Decidieron restaurarla con guadua, maderas, bareque y residuos sólidos como botellas, bloques de tierra etc. Eduard, como director de la fundación, materializó entonces su sueño para ser una enseñanza en Bogotá y un pionero en Latinoamérica.

Es un ejemplo para la contaminada capital colombiana, al ser una casa llena de vida, paredes rebosantes de plantas, muros hechos con barro, piedras pintadas por los niños que visitan la casa, escaleras y unidades productivas en guadua. Todo en 3 pisos de vida.

Caminando por cada espacio de la casa, viendo lo altos estantes y columnas hechas en guadua, Eduard nos dice “Esta casa es un cuerpo humano que respira”.

En la parte más alta de la casa está todo el aparato de generación eléctrica. La primera microred en Colombia. Paneles solares y un turbina eólica que producen energía para consumo propio. “Tecnología Alienígena” nos dice, porque la energía no viene de recursos del centro de la tierra, viene del sol.

Incluye una cocina y un calentador solar, y además de esto practican la recolección de agua de lluvia y realizan compostaje. De allí, que sea una casa completamente autónoma energéticamente.

 “Cuando esto nació, en América Latina no había un ejemplo concreto de arquitectura bioclimática”. Hoy, FUNCENER es el mejor ejemplo. Cuando le preguntamos cuál era la parte favorita de su casa nos dijo sin miedo: TODA.

ESTA CASA ES UN MICROCOSMOS

Eduard nos mostraba cada sección de la casa con la precisión de un relojero que conoce cada parte de su obra. Según nos cuenta, fue proceso muy difícil de muchos obstáculos, pero que no se hizo solo. Entonces, nació la pregunta: ¿Qué sentiste al ver esto, lo que creaste? Respondió: “Una putería, mi sueño me ayudaron a crecerlo, fue un trabajo colaborativo que me rompió el bolsillo”.

Al ser la casa una forma de pensamiento, como la llama Eduard, nos encontramos con distintos tipos de entendimientos y reflexiones en torno a la forma de vida de cada uno de nosotros y de nuestras familias. Nuestra cultura alimentaria, por ejemplo, puede hacer un gran cambio a nivel personal y colectivo.

CULTURA ALIMENTARIA

El director de FUNCENER sostiene: “Es muy representativo comerse 4 tomates que usted mismo cultivó, eso tiene un valor espiritual grandísimo…en la era binaria, del 1 y el 0, hemos perdido la capacidad de producir, solo consumimos sin preguntar de dónde viene, cultivar es una de las acciones de mayor rebeldía”.

Al cultivar nuestra propia comida nos desligamos de los sistemas económicos que limitan nuestra vida, nuestra salud y nuestra gastronomía. Nos dice: “Usted puede prender un incienso, tener una estatua de Buda o hacer yoga. Pero no, hacer yoga no le va a servir para tener salud corporal y espiritual porque usted construyó su casa a costas de un ser vivo”.

Salir de un sistema de esclavitud que comienza por tu propio estómago, eso es lo que busca Eduard. “Cuando a ti te amarran el estómago y te dicen yo mando sobre ti como lo haría un MONSANTO, tu no puedes hablar de ser un hombre autodeterminado”.

De allí que saliera la angustia existencial después de nuestra charla. En mi cabeza solo estaba preguntas como: ¿Qué rayos comí esta mañana? Y ¿De dónde carajos viene mi comida?

Caminábamos y aprendíamos, comíamos una planta que él mismo arrancaba y seguíamos aprendiendo. “Si yo te hago una ensalada, de esa hoja que está picada por el gusano, tu te la debes comer, porque ese es mi sistema de auditoría de gestión de calidad que me dice que esa planta está bien, es comible.”

Aprendí que esas hojas perfectas de los supermercados tienen tantos pesticidas que nunca vas a ver una mariposa posada en una hoja de esas.

QUE SE MUERAN TODOS

Cuando le pregunté qué quería decirle al mundo, a la gente que lo leería, en seguida y sin miedo, como un golpe dijo: “Que se mueran todos, que el que no tenga conciencia ambiental, que el que no vaya a dar ni una pequeña parte de lo que nos ha dado el planeta, que se muera…se desaparezcan”.

Para Eduard Aristizábal somos muchos, y muchos estorbamos. Ya no medimos nuestro valor por quienes somos sino por lo que tenemos. Nos dice: “Esto no es complicado, es solo un giro de 180 grados a la vida, es solo cambiar una palabra, una letra…pasar del ego al eco… Eso quiero decirle a la gente”

FUNCENER y Eduard me dejaron mucho en qué pensar, pero fue la casa que, en su majestuosidad, me reveló la vida escondida que tenía la ciudad. La vida que yo no conocía, los alimentos que no sabía que podía tener.

El aire más fresco que he sentido en mucho tiempo me lo ofreció una casa, la casa más rebelde que haya conocido. La verdadera autonomía que quiero la deberé compartir con el gran ser vivo en el que habito.

Artículo por: Helena Rodríguez

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En el Velvet Hunting de hoy les presentamos el valiente trabajo de un grupo de mujeres que nos recuerdan a punta de ilustraciones que NOESTAMOSTODAS.

Domingo 19:30 h en Bogotá. Abro mi navegador y busco las últimas noticias. Resultado:  Daniela Ramírez Ortiz, Tlalpan, México. Salió de fiesta después del trabajo. No regresó. Sus restos se encontraron hace poco. Uno que otro comentario dice que fue su culpa, que ella andaba de fiesta. No es la única.

Paola, Diana, Juliana, Yolanda, Irma, María, Celeste, Rosa Elvira y la lista continúa. Distintos países y a todas ellas en algún momento las culparon de su muerte. También muchas de ellas aparecieron y desaparecieron en el océano colosal de mi navegador. ¿Quiénes eran ellas? ¿Quién las recuerda? El colectivo NOESTAMOSTODAS ha tenido la tarea de responder esto. Hablé con una de las chicas que conforman el equipo y esto me ha contado.

El proyecto empieza de forma anónima. ¿Por qué anónima? Por triste que suene, primero, por seguridad, y segundo, porque no es una promoción personal, la cara del proyecto son las mujeres asesinadas. “Hablamos de feminicidio y lo hacemos todos los días” me dice ella.

Querido lector: ¿Puedes si quiera imaginar el número de feminicidios que hay al día? Ni lo intentes. Pero ver el número de imágenes que NOESTAMOSTODAS publica en su Instagram podría darnos una vaga idea. Estas muertes no tienen que ser un espectáculo viral para recordarlas un momento y luego olvidarlas. Ellas, las victimas, nos van a faltar siempre

LA INDIGNACIÓN

NOESTAMOSTODAS es un proyecto feminista de ilustración en Instagram y Facebook. Nace en un México convulsionado por el feminicidio. Todo esto y lo que implica, debía exponerse, revelarse. Un día de 2017 en ese México, una mujer desaparece, muere y al día siguiente es culpable de su muerte. ¿Cómo? Se suicidó ¿Por qué? Porque sí.

La madre de Lesvy Berlín Rivera Osorio decide armar su propia lucha en redes sociales y exponer el caso de su hija como lo que era: un feminicidio. Ya no era una mujer desconocida, era Lesvy y fue asesinada.

“Nosotras decidimos que debíamos hacer algo cuando hubo este caso en México, Lesvy aparece en una cabina telefónica muerta y los medios dicen que se había suicidado, que era alcohólica y drogadicta, que era la culpable. Al mismo tiempo su madre sale a desmentir todo esto… fue una reacción muy rápida para difamarla, un día ella muere y al día siguiente salen a hablar de ella. Era una situación muy incómoda, nadie sabía qué estaba pasando y teníamos a los medios dándole mucha cobertura al caso diciendo que era un suicidio y a los activistas diciendo que no era posible, que todo era extraño.”

Mientras ella hablaba, y me contaba del nacimiento del proyecto, parecía que mi lista mental de nombres se hacía más larga.

“De este caso nace un hashtag #SIMEMATAN así cada quien hacía un twit sobre qué creían que dirían sobre ellas si las asesinaban. ¿Dirían que fue por mi falda? ¿Por traer vestido? ¿Por qué salía de fiesta?” Una chica llamada Mara pone en mayo de 2017 un twit diciendo #SIMEMATAN es porque me gustaba salir de noche y tomar mucha cerveza…en septiembre exactamente ocurrió eso. Mara fue asesinada y dijeron que fue por ser alcohólica y salir de fiesta.

¿Ya vieron las fechas de los twits?
El último fue hecho después de su muerte

LA CREACIÓN

Ella me dice “Una amiga y yo salíamos a las marchas. Sentía esa incomodidad, sentía que debíamos hacer algo, salir a marchar cada vez que un feminicidio era famoso me dejaba más incómoda. Yo quiero saber más, decir más. En eso conocimos el mapa de feminicidios de María Salguero y una lista llamada Nómbralas a todas. Yo no quería creer que esta lista era cierta, pero lo era.”

Dos bases de datos de feminicidios hechos con el propósito de visibilizar la verdadera magnitud del problema. Primero, un mapa que geo-localiza digitalmente los feminicidios en México y segundo, una lista que trata de nombrar a todas las que mueren cada día. Gracias a estas bases NOESTAMOSTODAS empieza a tomar forma.

“Mi amiga y yo somos ilustradoras. Lo que podríamos hacer era ilustrar. El 17 de septiembre de 2017, después de la marcha que hicimos en memoria de Mara, comenzamos a planear esto. Empezamos a definir el proyecto y a invitar ilustradores, primero colegas y luego invitamos mucha más gente. El 24 de noviembre lanzamos el proyecto.”

Todo comenzó con notas periodísticas y bases de datos creados por otras activistas, pero no se quedó en ese punto. Conforme se conocía el proyecto, más personas se acercaban a él y buscaban ilustrar uno, dos, tres casos. Hoy, NOESTAMOSTODAS publica diariamente, a veces, más de una vez al día. Y que quede claro: No, no hay solo un feminicidio al día y no, el proyecto no consigue mostrarlos todos.

LAS ILUSTRACIONES

“Alguien nos escribió para decirnos que quería que ilustráramos para una de sus amigas. En ese momento se me fue la sangre al piso. Luego nos escribió otra persona, luego otra y otra.” Ya no era solo con notas del periódico, el proyecto ahora mostraría amigas, hijas, hermanas o madres.

Las familias empezaron a comunicarse con ellas y son esas mismas familias las que deciden qué datos quieren revelar con la ilustración. “Era más difícil realizar la ilustración porque tu sabías que era para alguien. Era algo más cercano.” me dice.  El proyecto actualmente es todo un movimiento que evoca a las víctimas de feminicidio en cantidades inimaginables. NOESTAMOSTODAS recuerda y expone la verdadera dimensión de este delito.

Siempre están buscando más ilustradores y otras veces ellos mismos llegan al proyecto queriendo ilustrar para ellas. Gracias a esto han creado un manual que expone quienes son, qué hacen, por qué lo hacen y el tamaño en que reciben las ilustraciones. Este manual es enviado a los ilustradores, y si están de acuerdo con él, se les envía un caso de feminicidio. También los ilustradores llegan muchas veces con sus propios casos y saben a quién van a presentar.

Los artistas por lo general relatan en sus piezas algo que rememora a la víctima, pero cuando se tienen los testimonios de las familias, el equipo les pregunta qué color le gustaba, qué la caracterizaba, cómo la recuerdan y cómo se la imaginan ahora.

El proyecto no se basa en fotografías, pero con los testimonios de familiares las ilustraciones llegan a ser más completas. Con esto, además de recordar a la víctima, se presenta como la mujer que era, no como alcohólica ni culpable, sino como una mujer que ya no está, que perdimos todos.

EL ESTUDIO

NOESTAMOSTODAS es una causa forjada con conocimientos claros, precisos, estudios reales y minuciosos. “Nosotras la mayoría de las veces nos basamos en el mapa de María Salguero. Cuando empezamos le preguntamos a ella y hablamos con YUCATÁN FEMINICIDA también para que nos explicaran qué era el feminicidio. Nos pasaron muchos documentos, entre esos El Protocolo Latinoamericano de Feminicidios. Allí se definen todos los tipos de feminicidios. Nosotras principalmente ilustramos feminicidios directos que son los que están tipificados es el Código Penal Federal”

México y el mundo tiene que saber que NO es normal que existan tantos asesinatos a mujeres y que se debe hablar de esto.

En este momento el proyecto está enfocado en la visibilización de los feminicidios, es imposible mostrarlos todos, pero sí algunos. Buscan que en el lenguaje diario se hable de esto, que se conozca lo que está ocurriendo. NOESTAMOSTODAS quiere recordar a las víctimas, rememorarlas. 

“Si te digo que murieron 10 mujeres, a lo mejor ni te importa. Pero si te digo, murió María, era estudiante, le gustaba el rosa…eso es diferente. Nosotras lo hacemos visual, si la gente no entiende que 2+2 es igual a 4, a lo mejor si dibujo las manzanas como a los niños pequeños sí lo entiendan. Por eso ilustramos. El proyecto nace del hartazgo y la necesidad de memoria desde una perspectiva feminista, desde la dignidad y el respeto.”

EL CAMINO

NOESTAMOSTODAS es un proyecto que no se ha quedado en México. Si bien nace de una preocupación local sobre los feminicidios y trans-feminicidios, termina por llegar a otros puntos del globo. “Colaboramos con una colectiva de madres de victimas de feminicidio en Chile. También colaboramos con NIUNAMENOS en Costa rica, conocimos a una periodista que hizo una publicación desde Turquía y luego a otra que también tiene un mapa de feminicidios en el mismo país… Así es como ha ido creciendo el proyecto porque los feminicidios tristemente son una pandemia.”

El equipo hace poco llegó a Illinois, EEUU, para trabajar con niños y niñas dibujando y haciendo actividades con ellos. Cuando nos faltan mujeres, también no faltan las niñas, muchas de ellas son niñas.

EL OBJETIVO

Lo que significa para estas chicas el proyecto es más que un movimiento. Es la voz y la identidad de muchísimas mujeres que a diario son asesinadas y maltratadas aun después de muertas. El proyecto es una contrapropuesta a la narrativa sexista que muchos medios tienen cuando hablan de la muerte de una mujer. Ellas y muchas más personas están haciendo un esfuerzo para mostrarnos esto, para que veamos todo lo que no nos dicen.

El objetivo de este equipo no es únicamente ponernos de frente a las muertes de estas mujeres y las desapariciones de ellas. Una ilustración muestra un caso, ese caso llega a alguien y ese alguien lo comparte con su familia.

“Ya no somos dos, ahora somos cuatro, somos cinco. Esa persona que vio la ilustración, que la hicimos leer un caso, está hablando con su familia y amigos sobre esto. La audiencia cada vez es más grande y para nosotras esto es increíble. Nuestra única misión es visibilizar. El gobierno no lo admite porque quiere tener menos feminicidios en sus cifras y prefieren decir que estaba en las drogas. Solo están minimizando los números y maquillando el problema. Esto necesita ser visto para ser castigado”  

Cuando el equipo comenzó con todo esto, no faltaron las noches difíciles armando las bases de datos, soportando los reportajes, la fotografías, los titulares, los documentos y las pesadillas. Hoy puedo decir, sin tapujos, que ellas están haciendo un trabajo de investigación con los huevos que a muchos medios de comunicación le hicieron falta.

LA PREGUNTA

Finalmente, después de hablar con el equipo de NOESTAMOSTODAS me quedan dos cosas. La primera es un cúmulo inmenso de datos, links y noticias en mi computadora sobre feminicidios. Lo segundo, las incesantes ganas de exhibir los nombres, rostros y si, ilustraciones, de todas quienes no están hoy con nosotros. Las ganas de decirles a todos que paren un momento, que NOESTAMOSTODAS.

Domingo en Bogotá, 23: 15 h. He terminado de escribir por hoy, y me pregunto: Si salgo esta noche ¿Regresaré a casa?

*Esta nota está atestada de enlaces, reportajes independientes e imágenes de los casos aquí mencionados.  Muchas personas se han dedicado a mostrar y hacer visibles estos casos. Para más información: @noestamostodas en Instagram y Facebook.
Ilustración portada: Lyda Naussán R. – @lydanaussan

Artículo por: Helena Rodríguez

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La energía que la naturaleza me transmite, espero poder transmitirla a través del arte.

Caminar, tropezar y levantarse es básicamente el recorrido que haremos todos. Conforme sigamos caminando, encontraremos personas, lugares, situaciones y experiencias que nos revelan una parte sustancial de la vida que no conocemos. Light Andrade una persona que ha sabido reconocer esas revelaciones y marcarlas en su estilo artístico como solo ella puede hacerlo.

Hoy en Velvet Hunting entraremos a la casa de una de las artistas de Guatemala que ha hecho de su vida un estallido de color. Light Andrade ha descifrado los códigos de la psicodelia para traernos un cúmulo de reflexiones y experiencias de las que aprenderemos. ¡Aprenderemos a todo color!

EXPLOTAR LA BURBUJA

Cuando hablé con Light Andrade pude darme cuenta de que su vida está llena de pasos agigantados para ella misma y para su estilo. La artista ha estallado su propia burbuja, esa que le decía qué hacer y cómo comportarse; la estalló de la mejor manera: Encontrando el color.

“Yo ya sabía lo que me gustaba, desde los tres años siempre me han gustado los papeles, los colores, los crayones” Pero Light no siempre estuvo en ese camino, la artista guatemalteca encontró todo lo que hoy nos ofrece mucho tiempo después. “Yo salí de un colegio de monjas, allá nunca te dicen que eres buena para el arte, los exámenes que te haces de aptitud son para ser ingeniera o arquitecta…y a todos nos mandaban a la misma universidad para seguir ese núcleo del opus dei”

La niña de casa, dulce y tranquila entró a la universidad a estudiar microbiología y bioquímica. Pero sus notas empezaron a caer.

Esa misma niña, durante sus años de colegio, siempre estuvo en los primeros lugares con las mejores notas académicas. Entonces, ¿Qué ocurría? Sencillo, ella estaba hecha para otra cosa. Sus manos estaban hechas para otras cosas.

Después de tomarse un año para pensar cuál sería su rumbo y de preguntarse “¿Realmente quieres estar en bata blanca toda la vida Light?  Yo empiezo en blanco y lo pinto de colores. No puedo estar en blanco”. La revelación llegó y la burbuja estalló. Un día pudo ver uno de los proyectos que la Universidad Rafael Landívar le había asignado a una de sus amigas en Diseño Gráfico: “Allí encontré de nuevo lo que me hacía vibrar el alma, los pinceles, los colores…”

IRREVERENCIA ROCK Y PSICODELIA

El estilo tan particular y marcado de Light Andrade no siempre fue como es hoy. Fue un descubrimiento, entre tanto estaba en la universidad y salía del caparazón que el colegio de monjas le había impuesto.

“Mi estilo viene de la psicodelia del rock de los años 70’s y 60’s…no es que estuvieran de moda, es que el contraste que tuve de salir de un mundo católico a la universidad me abrió la mente. Conocí otro tipo de personas, otras cosas…allí fue cuando me topé con el mundo real. Pasé de la niña santa a la vida real dónde existía rock, alcohol y psicodelia. A mí siempre me han explotado la burbuja, y si tu no conocés, no vivís.”

 A los 19 se empezó a forjar toda la personalidad que hoy Light Andrade tiene. “La idea al final es ser tu mismo, no quería tratar de ser, quería ser”

LA PARED Y LA BOTELLA

Después de conocer todo tipo de personas en la universidad, la artista tuvo la experiencia de ser coartada. “Un día con mis compañeros estábamos sentados en las mesas de un lugar al que llamábamos el bosquesito. Empecé a pintar las mesas y todos empezaron a pintar la mesa. Quedó bien bonita y yo pinté a The Beatles. Hago énfasis en esa mesa de madera porque pinté Yellow Submarine en esa mesa, luego pinté un Bob Marley y el lunes cuando llegamos las mesas estaban lijadas, completamente borradas”

Ese día Light quedó consternada, habían eliminado algo que ella había hecho con mucha pasión y cariño. Por eso decidió encontrar un lugar donde volver a plasmar lo que en esa mesa había pintado. No hay muchas opciones cuando acabas de empezar a reconocer tu estilo: Light pintó una de las paredes de su casa. Claro, primero le pidió permiso a su mamá. Hoy esa pared hace parte de su estudio, y adivinen, su estudio se llama Light Design Studio, de cariño, Yellow Submarine.

El primer premio que Light Andrade ganó fue la intervención de una botella para el concurso Enbotellarte de Something Special. En el 2009, su segundo año de universidad, Light ya estaba forjando su camino. Después de participar al lado de 150 personas, que incluían catedráticos de la misma universidad, Light ganó el primer puesto y con el premio consiguió pagar sus estudios.

LA LUZ DE HOY

Actualmente, Light Andrade es una diseñadora, muralista, artista e ilustradora que combina su estilo de numerosas tonalidades con su inclinación a la naturaleza y la música. Ha trabajado con la comunidad, con el proyecto Bonito mi Barrio que busca darle vida y color a los barrios más necesitados de Guatemala. Un festival de murales que, como dice Light, “Busca llenar de colores las calles de Guate” .

Light me dice: “Todo es inspiración al final del día y la mejor sale de tus miedos. A partir de una experiencia nace tu inspiración y tu concepto”. Por eso algunas de las obras más importante de Light han sido bajo esta idea: desde ilustrar una gran serpiente en el zoológico, hasta crear un mural con furia porque no se lo permitieron plasmar en otro lado.

EL FUTURO DE LIGHT

Cuando le pregunté sobre la definición de su arte, claramente y sin titubeos me dijo “Explosión de color”. Su línea ha siempre sido similar. Ella ha tratado de tener planos orgánicos y saturados como en los 60’s y 70’s, donde todo es muy cargado de color y movimiento, pero donde a la vez aprecias una imagen.

“Siempre he querido que mi arte transmita movimiento, que cuando tú lo veas, se mueva por sí solo. También trato mucho de incluir elementos naturales, hojas, flores, plantas, animales. No es simplemente que mi estilo sea similar, es que hay una unidad en él”.

Una de las cosas más notables de conversar con Light Andrade es la confianza que tiene en países latinoamericanos para compartir y construir proyectos artísticos. Me habló de Colombia como uno de esos países que la han enamorado, tanto por ser la cuna de grandes artistas, como por el apoyo que reciben por el medio y la cultura nacional. “Espero un día poder ir a Colombia, hacer proyectos allá y muchas cosas. Siento que se parece mucho a Guatemala. Espero ser una invitada pronto”.

DE INSPIRACIONES Y OBJETIVOS

Las metas y propósitos de Light Andrade están directamente relacionadas con lo que más la inspira. Por eso, escudriñar entre las formas en las que ve el mundo, los mares de colores que la motivan es todo un privilegio para nosotros.

“A mí lo que me inspira son las experiencias y los paisajes que veo cada vez que viajo. Me gusta estar metida siempre en ese bosquesito, rodeada de la naturaleza. Esa energía que la naturaleza nos trasmite, espero poder trasmitirla a través del arte…ponerla en un papel”.

Preguntarle a Light sobre su enseñanza, ese matiz pedagógico de su obra, hace que quiera enviar un mensaje. Y es un mensaje tan honesto y fuerte como ella: “No importa si te equivocás en el camino que sea que estés tomando, no tiene que ser del arte. La gente tiene que saber que debe seguir adelante. Cuando les digan no, deben seguir por sus sueños.”

A pesar de ilustrar prodigiosamente, Light aún cree que no es experta. Esto hace que sea tan humilde como la naturaleza en sus obras, y que sean muchos los jóvenes, niños, artistas primerizos que quieran acercarse a ella y preguntarle “Light, ¿me enseñas a hacer murales?”, a lo que ella responde, “Yo también estoy aprendiendo, te enseño lo que sé”.

PINTARLO TODO

Su principal objetivo es “Pintar Guatemala de colores, cada calle, cada escalón. Que haya color en donde sea. El arte es la solución a muchos problemas sociales”. Ella es en todo sentido un océano de experiencias, reflexiones y motivaciones.

La infinidad de formas, detalles y movimientos que inspiran sus creaciones hace que quiera tener una, dos o más de sus ilustraciones cerca de mi mundo para alegrarme el día. Y así, recordar siempre que entre el movimiento existe el color y en el color, está la vida. Que no se nos escape. Salgamos de la burbuja.

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Si, todos nos dicen que debemos soñar, imaginar o crear, pero casi nadie nos recuerda comprometernos, levantarnos y esperar. Esperar el tiempo adecuado. La historia de SONGO SORONGO y de Carolina es exactamente un ejemplo de ello: El compromiso con un sueño que ha esperado su tiempo para germinar. El tiempo que merece y no el que exigimos.

DEL PEQUEÑO MUNDO AL GIGANTE

La diseñadora industrial Carolina Lozano, actualmente ubicada en Bogotá, es el ingenio detrás de productos hechos en cuero de su marca propia SONGO SORONGO.  Su historia se narra entre montañas, campesinos y encuentros con ella misma, una, dos, y las veces necesarias para continuar con lo que es hoy es su sueño: su marca.

Nacida en Pasto, Colombia, vivió sus primeros 17 años en este hermoso lugar coronado con un Volcán. Pero su viaje creativo comenzaría pasando por la región cafetera de Pereira en Colombia para estudiar, pasará por Australia en busca de inspiración, e incluso llegará a Francia por el mismo motivo.

Carolina, casi a sus veinte años, supo que sin salir de su pequeña ciudad no se descubriría a sí misma ni podría crear lo que deseaba. Sumemos a eso que siempre era la consentida de la casa, consentida por su hermana mayor, por su madre y mucho por su padre. Salir y hallarse era la única opción.

“Cuándo tu vives en un núcleo que es tan pequeño, a veces necesitas un impulso para descubrirte. En Pereira, a pesar de que no quería ir al principio, fue dónde me descubrí a mi misma, lo que me gustaba, lo que no, la ropa que me quería usar. Antes no sabía qué me gustaba.” Allí terminó su carrera en diseño industrial y pasó a su primera gran caída, entrar a un trabajo que no llenaba sus expectativas. Día a día y uno tras otro sin hacer nada que parecía ser significativo.

Pero Carolina siempre ha sabido encontrar su motivación, su motor. “Siempre pensé que quería hacer algo importante”. Volvió a Pasto a visitar a sus padres y resultó encontrando algo que no había pensado antes: hacer bolsos. Sabía que Pasto es un lugar de familias marroquineras y tuvo su primer intento de cumplir ese sueño. Nace su marca SONGO SORONGO.

UN HOBBIE HECHO SUEÑO

No fue fácil para Carolina empezar. La primera vez que SONGO SORONGO quiso salir a la luz, estuvo lleno de tropiezos. Cueros mezclados, errores de fabricación y de comunicación. “Mi imaginación volaba y terminaba con muchos errores de producción. Los primeros artesanos me decían ‘Esto está muy complicado de hacer’. Incluso algunos me dejaron los proyectos. Yo no tuve en cuenta un orden en mi primera producción. Fue un error. Pero fue un error del que aprendí mucho.”

A pesar de los primeros tropiezos, Carolina persistió. El compromiso con su hobbie convertido en sueño, y hoy en su marca, no es algo que se pudiera derrumbar. La admiración por la tradición marroquinera de Pasto y el trabajo con las generaciones y generaciones de familias dedicadas al trabajo en cuero fue la fuente de inspiración esencial para la creación de su marca.

Como las manos cuidadosas y dedicadas de los artesanos que elaboran sus bolsos, Carolina se ha tomado el tiempo de diseñar y realizar su proyecto. “Cuando me propongo algo, lo voy sacando. De a poquitos, pero lo voy sacando”. Tomarse el tiempo de hacer las cosas, esa es el alma de SONGO SORONGO – una frase que en Colombia significa justamente lentamente o poco a poco.

AUTÉNTICO

La marca ha crecido exactamente con el significado de su nombre: poco a poco. “Quiero que vaya paso a paso y se vaya estableciendo bien. Yo no quiero hacerlo por dinero”. Es así como la pasión por el diseño, la tradición y el trabajo con las comunidades motiva cada día a Carolina. Hoy en día, los bolsos son elaborados por su equipo de trabajo en Belén, Nariño, un pueblo de tradición marroquinera cerca de Pasto, donde conoció a quienes hoy son sus fabricantes.

Por todo esto, los bolsos, carteras y accesorios de SONGO SORONGO no son simples objetos; ellos cargan toda la historia y tradición, el esmero de las familias y la pasión de Carolina. Desde sus colores y formas, hasta el diseño de las telas interiores, son fruto sus noches en vela. Esas noches en donde Carolina decide dejarse llevar por su imaginación y creatividad, como ella me dice: “Soy la oveja creativa de la familia”.

Quizá por eso, tiene una pared decorada con cada postal, cada viaje, cada experiencia, que al mirar, se sacia de recuerdos, se levanta si está afligida, y luego…sigue.

Cuando le pregunté para quien diseña sus bolsos, me dice: “La persona SONGO SORONGO es una persona fresca, que le gusta sentirse bien. Tener estilo, pero estar cómoda. Una persona muy única, es ella misma. Hoy es elegante, y mañana se pone un jean y una camiseta y sigue sintiéndose ella misma.”

PASO A PASO: ADELANTE

Sin duda, esperar, esperar el tiempo necesario, permitirse crecer, no en los tiempos que nos exigen, sino en los tiempos de Carolina, le ha rendido frutos. Con esmero y dedicación, pero también con paciencia y compromiso. Cuando le pregunté qué significaba su marca para ella, me dijo: “Es mi polo a tierra, y mi forma de volar”.

Es además una forma de mostrar sus raíces, de descubrirse y de abrirse al mundo. “Quiero que el mundo sepa que en Colombia hay talento. Quiero mostrar mi esencia. En esto está mucho de lo que soy. Yo soy así. Quiero mostrar que Colombia está ahí”

Ahora Carolina mira hacia el futuro. Crecer e integrar más gente: “Así SONGO SORONGO le va a dar mucho más trabajo a las familias que han trabajado el cuero por generaciones”. Su objetivo principal es innovar y continuar aprendiendo. Hace parte de su sueño la co-creación con distintos artistas que le muestren nuevas perspectivas. “Mi método para aprender es comunicarme con la gente. Todo el mundo me puede aportar”.

Mientras hablaba con Carolina, me dijo que ella sentía que su descubrimiento fue lento, incluso tardío. Pero cuando tuve la fortuna de compartir una entrega de sus bolsos y presenciar su alegría, su sonrisa y su emoción, supe que no fue tardío. Carolina y SONGO SORONGO siempre han estado en el tiempo adecuado, preciso.

Artículo por: Helena Rodríguez

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Quiero que otras personas se enamoren del cine, que los niños se enamoren del cine.

De niño realizaba una suerte de cortometraje con los amigos de su calle: una cámara raptada, diez u once años, y una historia de terror imaginada por él y sus amigos. ¿Qué nació de allí? Una película corta de terror llamada Los hechos misteriosos y un diamante en bruto como director de cine y televisión: Daniel Chaparro.

Ese cortometraje sería solo un atisbo de luz de lo que luego él sería. Poniendo subtítulos y editando a los diez años, Daniel Chaparro tendría la satisfacción de saber, por primera vez, qué quería hacer. Daniel, manizaleño de 19 años, es hoy una de las grandes promesas para el cine y la televisión colombiana.

Velvet Magazine Latinoamérica en la sección VELVET HUNTING ha tenido la oportunidad de ser la ventana un hermoso proyecto con imágenes únicas y brillantes.

ENTRE CLASES Y CINE

Antes de poner sus manos en la edición, sí, con esa pequeña obra a sus diez años, Daniel Chaparro se dedicaba a leer sobre psicología, geografía e historia. Aunque estaba seguro de que sería o un gran astrónomo o un increíble geógrafo, los Simpson llegaron para cambiarle la idea.

Diez años y Los Simpson pueden ser una estupenda idea o una nociva. Por suerte fue la primera.

¿Recuerdan un capítulo en el que Lisa decide ser cineasta e ir al festival de SUNDANCE? Bueno, Daniel Chaparro me cuenta:

“Hay una escena en dónde Lisa empieza a dar vueltas y dice ¡Quiero ser cineasta!, eso me retumbaba en la cabeza…por ese capítulo me puse a leer sobre qué era SUNDANCE…eso me metió la idea en la cabeza que podía hacer cosas, enviarlo a festivales, la gente lo vería y es un trabajo, es una profesión…¡Yo no sabía que le podían pagar a los de la televisión!” Una inocente deducción de infancia que lo llevaría a Alemania.

CREANDO SU SUERTE

En su colegio, ya teniendo unos 14 años, hicieron un trabajo de la mano del Festival PRIX JEUNESSE INTERNATIONAL con los estudiantes de su salón de clases. Sus compañeros y él mismo debían dar sus opiniones escritas y expuestas a una cámara sobre los proyectos audiovisuales de otros países.

Al evento asistieron personas delegadas del festival y un canal nacional. Como Daniel ya tenía claro desde hace un tiempo que quería ser cineasta, ese mismo día Daniel Chaparro logró dos cosas:

Primero, fascinar a uno de los delegados con su opinión obteniendo un viaje a Alemania por un mes para ser jurado oficial en el festival PRIX JEUNESSE INTERNATIONAL. Así Daniel se convirtió en el primer jurado oficial menor de edad del festival. “Me sacaron un día de clases para decírmelo, me dieron la visa de negocios y estuve como un mes”

Y segundo, logró encantar a un director/productor con una idea que él mismo había preparado: un esbozo de guion llamado Simon y Emma. Al productor le gustó tanto que decidió llevarlo a su productora Sugar Mind, y junto a su pareja, enseñarle al pequeño Daniel todo lo que sabían de cine. Todo para convertirlo en el codirector de una película que nacería de su propio guion.

Ana María y Cristian, se convertirían en sus mentores y quienes lo bautizarían en mundo del cine y la televisión. Hasta hoy Ana María sigue siendo una guía.

“Cristian venía a mi casa y me ponía a hacer cuentos y guiones cortos. Me hablaba sobre la teoría … Ana María era distinta, ella tenía una perspectiva mucho más libre y solo me hablaba del arte. Me decía mucho que fuera muy libre y que experimentara. Ella quería que tomara fotos, fue mi primer acercamiento con la fotografía. Ambos me daban perspectivas muy diferentes, una muy teórica y técnica y otra muy artística”

UNA Y OTRA VEZ

Todo parecía ir por el camino correcto para el joven artista: Alemania, mentores increíbles y la preparación para exponer su primera obra de la mano de una excelente productora.

Pero no hay éxito sin lucha, y la lucha de Daniel es y ha sido una larga. Al final, por reveses, inversores, separaciones y demás cosas no pudo concretarse Simón y Emma, la historia que tanto había encantado a la productora.

A pesar de todo, en Alemania todo salió perfecto y de Ana María y Cristian no quedó más que aprendizaje. No todos tenemos la oportunidad de tener mentores que nos ayuden construir nuestros sueños, al mismo tiempo que luchamos con el acné y las hormonas.

Claro que hubo decepción y tristeza, una depresión que logró hacerlo dudar de todo, pero no fue suficiente para desbancarlo. “Para el 2014 yo quedé muy triste, primero devolverme de Alemania, y luego lo de la película me dio muy duro. Siguió todo normal, pero yo sabía que lo que quería hacer era cine … así que, traduje mi guion, hice todos los papeles, me asesoré, hice los exámenes de inglés y los envié a Bristol.”

Daniel, aun estando deprimido y bajo la presión de sus padres para estudiar una carrera. Un día recibió una llamada en inglés.  Había ganado la beca. No pudo ir.  Volvió a ganarla y tampoco pudo ir. La primera vez por dinero, y la segunda por un problema familiar. El querer narrar con colores, como él dice, no fue algo que se quedó en la nada. Daniel Chaparro continuaba.

CAERSE Y LEVANTARSE

En Bogotá se decidió a hacer fotografía y videos tal como a él le gustaban. Su estilo es muy marcado, pero quería crecer y hacer de sus creaciones algo más grande. “Empecé a enviarle mensajes a personas en Instagram, personas que querían colaborar. Gente importante que quería colaborar” Así, empezó a hacer fotografía y video a personas fuera de su círculo. Zack Morris, Juan Pablo Jaramillo, Mik Mish y Reikon hicieron parte de ese proceso.

Su Instagram fue creciendo y se fue alimentando de personas, creadores y celebridades que aprecian su trabajo como fotógrafo y creador audiovisual. “Tuve muchas estrelladas, hice fotos para portadas de libros publicados y no me pagaron un peso. Me quedaron debiendo plata…eso me dio carácter. Luego pude darme cuenta de que no estaba explorando como hacía al principio. Estaba haciendo imágenes cualquiera y no tenian mi esencia. Mis fotos perdieron calidad. Así que me decidí a explorar de nuevo. ¡YO HAGO CINE!”

OBZESA

Daniel está lleno de nombres, oportunidades, caminos y aspiraciones. Actualmente, está dedicado a su nuevo proyecto. Su propia productora: Obzesa. Daniel me cuenta:

“Yo quiero hacer algo que muestre cambios o alter-egos. Se me ocurrió el nombre Obzesa que leí en un poema ruso. Un amigo, Jonnatan, volvió a mi vida y con él conversé mi proyecto. Él me apoyó y vine a Bogotá a hacer scouting. Así conocí a Nathalia Galván que es hoy la directora de arte de mi último proyecto y a Jessica la maquilladora”.

Lo que Daniel quiere hacer es narrar alter egos, mostrar todo lo que es una persona, todo lo que es su esencia. Su referente es la Última Cena, el proyecto se llama CRUDO. Un proyecto que ha realizado con poco y nada de presupuesto. Con su particular sonrisa me dice:

“Me di cuenta de toda la gente que quiso ayudarme, solo porque les gustaba una idea, de 4 personas pasamos a muchas más. Recuerdo que no teníamos más dinero para la vegetación del proyecto y fuimos a un parque a robar las plantas y luego salir corriendo. Ese día que terminamos hasta lloré de la emoción. Fue mucho aprendizaje en un lapso muy corto” La exploración sigue siendo suya con su amigo Jonnatan Monar y crearon una cuenta de Instagram únicamente para ese estudio: CRIPVISUAL.

Daniel Chaparro no ha dejado de explorar y no dejará de hacer cine. Sus suertes raras, como me dice, él mismo las ha creado. El amor que siente por las personas que le han ayudado a seguir es toda una rareza en el mundo del cine, y en general del arte. Aún tiene esa humildad con la que muchos empiezan y en el camino olvidan.

AL MUNDO

Hoy quiero presentar una productora OBZESA, y a un hombre, Daniel Chaparro. La primera nació de una sucesión de eventos y circunstancias que se contraponen, y por eso, es hermosa. El segundo es un joven director con un futuro inmenso, que aun piensa y vive según los colores y la imperfecta humanidad.

Anhelo ver sus ideas en grande, en el mundo, para todos y espero que sea pronto. Que su aventura cinematográfica continúe.

Artículo por: Helena Rodríguez

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La artista de 35 años habló en exclusiva para Velvet Magazine Latinoamérica. Te invitamos a conocer con nosotros esta increíble artista, determinada mujer y audaz emprendedora.

DE LA NIÑA EN PATINES A LAS CLASES DE ARTE

Raquel me cuenta que en El Salvador a la gente muy blanca suele confundírsele con extranjeros o creer que tienen mucho dinero. “Somos una familia bien Chele, bien blancos, mi mamá es de ojos azules y mi papá de casualidad salió de ojos verdes, entonces la gente piensa que somos gringos”. En realidad, no he conocido más humildad y agradecimiento que en las palabras de Raquel y en su vida misma.

Raquel cuenta una anécdota, que, sin saberlo, sería el indicio más grande de lo que es y hace hoy. “Mis padres estaban suscritos a una revista de la National Geographic para niños, y en cada edición se dedicaban a un tema, yo dibujé a una niña patinando y la revista la publicó en el centro de las dos páginas…yo tendría unos 12 años”. Sus padres emocionados han guardado como un tesoro esa revista hasta hoy. Fue el dibujo de una niña que, hoy, siendo mujer, sigue ilustrando y dibujando.

Trabajando, estudiando y pagando préstamos, Raquel logró terminar Marketing y Diseño estratégico en 7 años de carrera. “Todos mis trabajos fueron creativos. A veces tomaba fotos, entonces iba a clases de 2 a 6, y a las 6 me ponía tacones y falda e iba a cubrir un evento. Cuando salía del evento a las 10 de la noche, tenía que hacer las tareas”. Se convirtió así en el ejemplo de sus maestras y en el disgusto de algunas de sus compañeras.

EL COMIENZO

Raquel, emocionada, y como hablando de una increíble aventura me dice: “En la carrera una profesora nos puso la tarea de preguntarnos qué queríamos hacer y yo le dije que quería poner mis ilustraciones en cojines, alfombras, cortinas…la profesora me dijo que lo que yo quería hacer era Surface Design”. Raquel investigó todo sobre esto, qué era, cómo se hacía, todo.

“Participé en La Feria CONTEMPO del Salvador en la rama de diseño de superficie y gané el tercer lugar…participé con una lámpara, el dibujo lo puse en la pantalla de la lámpara, ¡es bien linda porque el dibujo se refleja en la pared!”. Raquel recuerda con entusiasmo a su profesora: “Yo lloraba porque yo le decía ‘Usted me enseñó lo que yo quería hacer’”.

Trabajó por mucho tiempo en agencias de publicidad y creciendo poco a poco, pasó de ser una diseñadora junior a una directora creativa. Pero estar trabajando no significa siempre acertar en ser feliz. En el 2013 Raquel pasó por una depresión de casi 6 meses. “Era una eterna depresión dónde no había vida ni nada”. Fue una pausa en su vida creativa.

EL FLORECIMIENTO DE SUS COLORES

Pero ningún dolor es tan grande como para hundir a la artista, la mujer y la creativa que carga Raquel en su interior. Dice, como recordando el inicio de una vida nueva:

“En eso de octubre me habló una señora que iba a abrir una tienda de moda, una Pop Up Store de noviembre a enero, y me preguntó que si yo quería participar. Le dije que yo solo dibujaba, que no sabía nada de moda…de todas formas me preguntó si haría carteras para ir al súper”.

BOLSAS DE TELA

Todo lo que Raquel es hoy empezó con esas bolsas en tela para ir a mercar. “Ahí fue que decidí que la ilustración la iba a aplicar en la tela, y que lo que iba a hacer era contar historias porque de esa forma me inspiraría para ilustrar…si sólo hacía el dibujo por dibujo, para mi iba a ser mentira, necesitaba que tuviera alma, o un concepto y que de allí partiera la ilustración”.

UN TESORO

Raquel decidió entonces hacer ilustraciones dedicadas a las mujeres, que las empoderara y que generaran una conexión emocional con quien tuviera una de sus piezas en sus manos.

Esa sería la historia y el alma de sus dibujos. “Si vos personalizás un producto este producto ahora es un tesoro…es una pieza especial”, me explica. Hace que me pregunte: ¿Cuántos tesoros tengo y no he prestado atención?

Por ese tiempo en que empezó a plasmar sus ilustraciones en la tela, Raquel aun trabajaba en una agencia. Fue entonces su madre, hoy su socia, la que tuvo que ir a encontrar los materiales y llevarlos donde el artesano. Raquel trabajaba en la agencia 10 o 12 horas, y en la noche dibujaba. Durante el día, su madre compraba los materiales y los artesanos trabajaban.

A pesar de que la tienda cerró en enero del siguiente año, sus carteras se vendían todas cada semana.

SALVADOREÑO

Con todo, Raquel decidió un día escribirle a una mujer diciéndole lo mucho que le gustaba su marca. Terminaron conversando sobre tener juntas un quiosco donde pudieran presentar sus productos.

Encontraron en un centro comercial un lugar tan grande que no sabían cómo llenarlo. Pero ambas tenían un sueño en común: una tienda de diseño salvadoreño, llena de objetos y artículos hechos por personas del Salvador.

Tres semanas después ya existía la tienda soñada. “En tres semanas compramos muebles, invitamos marcas y montamos un modelo de negocio que no existía en el Salvador en ese momento…Montamos Hecho en Casa”

Hoy la mano de obra de Raquel es 100% salvadoreña. Al principio eran unos pocos, hoy, son 15 personas que producen de la mano de esta increíble artista. “Todo ha ido creciendo de a poquitos y todo ha sido de tomar decisiones rápidas” me cuenta. La ilusión y el orgullo quedaba en el aire mientras ella me hablaba.

LAS MUJERES DE RAQUEL ARANA

La inspiración para realizar una pieza, una obra o un dibujo puede llegar de muchas formas. Pero para Raquel son las mujeres, las historias detrás de ellas, las emociones y los sueños lo que le da alma a cada una de sus ilustraciones.

“Me he enfocado más en las mujeres, en empoderarlas, su autoestima y el amor propio. Me he enfocado en temas que a las mujeres nos dan más miedo o nos hacen más felices…Cosas que de verdad me muevan. Esto hace que la mujer sienta una conexión con la historia y que cuando compra una cartera es porque se conectó con lo que escribí… si yo puedo compartir un poco lo que he vivido y lo que me ha servido para crecer, le ahorraré un poco el camino a otras mujeres”.

Sus ojos brillan contándome y siento que yo brillo con ella, con su historia.

EL PROGRAMA VELASCO

Las ilustraciones en cada cartera de Raquel Arana buscan generar una conexión personal y que pueda aportar un poco a la vida de quien la posea. Hoy con el Programa Velasco, la artista busca apoyar personal y financieramente a muchas mujeres que están emprendiendo, así como lo hizo ella.

“Para mi fue una cachetada llegar allá. Mujeres que tienen historias tan fuertes que cuando ellas cuentan sus historias no las cuentan llorando. Es algo que hasta hoy me asombra porque me hace preguntarme de dónde sacamos tanta fuerza para seguir, para ser creativas, para ser ingeniosas…”

Así, la colección de este año de Raquel Arana está inspirada en estas mujeres. La colección llamada El clan de las virtudes busca crear un grupo de mujeres que donen su conocimiento para ayudar a otras. Buscar mujeres que le enseñen a otras a crecer de diversas formas.

En la colección de este año Raquel explica que “Las ilustraciones son tres mujeres: Ana, Clarita y Ester. Ellas nacen de la vida de las mujeres en el Programa Velasco sin caer en lo caótico del abuso y del maltrato, sino en cómo alguien pudo haber tenido una vida que no fue fácil, pero lo que salió de ella fue su mejor versión”.

LA PREGUNTA

Cuando le pregunté a Raquel qué quería decirles a las mujeres del mundo, me dijo:

“Que las mujeres se concienticen del valor que tienen, que la felicidad no la pongan en las manos de otros, sino que busquen en su interior qué las hace sentir realizadas…Yo veo muchas mujeres que viven la vida como zombies enfocadas más en agradar al marido o en por qué están solteras, y viven infelices. Pero por qué no se preguntan ¿Qué las hace felices?”

Mientras hablaba, yo me preguntaba: ¡¿Qué me gusta?! ¡¿Qué le gustaba a mi mamá antes de tenerme?! Y Raquel continúa.

“Hay mujeres a las que se les olvida hasta tener un hobbie y van del trabajo a la casa y luego a los hijos. Yo siempre me cuestiono, ¿dónde quedo ELLA? ELLA con sus sueños, ELLA con sus hobbies, ¡ELLA!…Quiero que las mujeres se pregunten qué las hace felices a ellas, qué les gusta a ellas.”

APRENDER

Raquel Arana no dibuja sin historia o sin alma y llegar allí fue un camino para ella, para su madre y para sus artesanos. Escucharla hablar, mover las manos y sonreír cuando menciona a las mujeres de su vida, del Programa Velasco, es la mejor forma de aprender y de crecer con su historia.

Raquel Arana me inspira, y espero que los inspire a ustedes tanto como lo ha hecho conmigo. Aprendo de ella como ella ha aprendido de otras. Hoy dibuja, y en cada cartera está la fuerza que ha tenido una mujer para dar un paso al frente; en cada trazo de sus dibujos está escondida la frase “Yo puedo y yo sigo”.

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“En esta vida, yo tenía que ser una artista”

La colombiana María Montoya, enaltece en sus obras a clásicos iconos colombianos, historias diversas o reflexiones de su vida. Logra fundir lo placentero, lo bello, lo incorrecto, lo incómodo, los colores y el cuerpo mismo, en su arte y en todas y cada una de sus obras.

En una entrevista fascinante y encantadora para Velvet Magazine Latinoamérica, la artista de 23 años, nos comparte su vida y con ella, su obra.

Ella misma nos ha dicho que es bruja, artista, Queer, latinomaricona, y bordadora. Tener la oportunidad de conversar con ella, con una mujer y una artista tan particular, es la oportunidad perfecta para ver, cómo de las sensaciones más crudas, afloran los colores más radiantes.

Descubramos juntos su arte y su historia.

“Mi corazón es de la Montaña”

Su nombre completo es María Fernanda Forero Montoya, pero ella solo usa su primer nombre y su segundo apellido. Más paisa que bogotana, nos cuenta:

“Siempre he vivido en un pueblo…mi corazón es de la montaña. Mis abuelos eran arrieros y cultivaban café, pero decidieron venir a la ciudad, a Bogotá. Se vinieron hace unos 40 años a Bogotá, pero al final decidieron vivir en un pueblo llamado Funza. Yo vivo en ese pueblo con mi madre desde siempre. Amo vivir allá, todo es muy tranquilo, hay muchas cosas relacionadas al carácter popular colombiano que a veces intento emplear en lo que yo hago” Y por supuesto hemos notado esa influencia en sus obras.

Desde pinturas que evocan un conocido eslogan político: “Make Colombia Gay Again”, hasta ponchos paisas pintados y calzones amarillos de la suerte, que toda Colombia usa para año nuevo, bordados al único estilo de María Montoya.

Ella nos cuenta lo refrescante que es cada uno de los aspectos populares que rodean su vida diaria:

Una tienda de barrio, una pradera o un campo abierto, andar en bicicleta, las plazas de mercado con sus canastos, o un “todo a mil” (algo así como un 99c Cents Only Store) son todas oportunidades creativas para María.

Una artista feminista

“Soy una artista feminista de orientación espiritual, gran parte de mi obra está ligada al feminismo; un feminismo abordado desde la diversidad sexual”

Desde sus años de colegio, supo entender que la feminidad es un cúmulo de diversidad, y que, en ese pequeño mundo de su colegio femenino, muchas cosas no son femeninas.

Ella recuerda que en su colegio la gordura no era femenina, la irreverencia tampoco, pero el cabello largo o la depilación si lo eran. “…para las niñas de ese colegio yo era como el anticristo”.

Hoy, y para lamento quizá de su antiguo colegio, la artista colombiana hace parte de un colectivo llamado MIÉRCOLES DE CHICAS, de la mano de Lorenza Vargas. Allí nació EL MANIFIESTO DEL BRASIER Y SOLO CUCO. Se trata de talleres de bordado que reúnen un grupo de mujeres cada año, el día 8 de marzo, a bordar ropa íntima, camisetas…o lo que sea, mientras cuentan sus historias, se reconocen como mujeres y aprenden a ver la feminidad como diversa.

El taller no es una clase cualquiera, sino una declaración, un manifiesto a punta de aguja e hilo.

“El bordado es una conexión conmigo misma enorme, me potencia, me ha ayudado a crecer espiritualmente”

“En esta vida soy artista”

Una de sus obras nos llama mucho la atención, pues expone de forma jocosa lo que puede ser uno de los sentimientos más duros que alguien puede experimentar: la depresión.

La pieza exhibe la frase “Me corto el pelo para no cortarme las venas”. María nos cuenta “Esta obra es como decirles a todos, me toca comer mierda, pero te la pinto en colores divinos y hasta me río de ello”. Para la artista, su obra va más allá de crear piezas particulares.

María nos dice, sin tapujos ni rodeos: “Todo lo que es mi obra es mi terapia, si yo no hago esto, yo me muero”; y con ímpetu agrega: “Esta es la forma en la que me reconozco…es la manera en que mi mierda se hace más fácil”.

Sus duelos, sus depresiones y sus más altos -o más bajos- estados de ánimo, forman parte de su creación como artista. Las sensaciones crudas, la ofensa, la ofensa a sí misma, lo que molesta y duele puede estar lleno de vida y color también:

“El color lo vivo desde mi contexto, por ejemplo, desde mi pueblo, donde las casas están pintadas de colores. Es un aprendizaje del color desde mi vida y desde mi lugar”.

Colores y Brujerías

Con la mutabilidad de su obra, nos topamos con sus pasiones y su predilección por el mundo del Tarot, la astrología o las vidas pasadas. Un mundo a veces oscuro, que no conocemos o no nos atrevemos a conocer, pero que María Montoya nos lo muestra con vivacidad y múltiples tonalidades.

María es una toda una amalgama de todo Colombia, de vidas pasadas, futuras, tarot, iconos y frases colombianas. Expresándose con un corazón Queer, feminista y muy virtuoso.

El propósito de María

La capacidad de María Montoya de reírse de sí misma o sobreponerse a cada una de sus luchas, se ha transformado en un objetivo no solo personal sino colectivo.

Con firmeza nos dice, “En todo lo que yo hago siempre estoy buscando sanarme. Cada cosa que yo hago es un proceso de entenderme, conocerme y curarme. Si en ese proceso hay más personas que logran sentirse identificadas, he ganado el premio gordo… si alguien se conecta con mis proyectos, mis obras y conmigo finalmente, para mí ya es la mayor ganancia del mundo”.

María Montoya atrapó todos los blancos y negros de su vida, sus tristezas, lutos y miedos en una terapia perfecta para ella, para nosotros y para cualquiera que se tope con su obra. Nosotros y quien lea su historia, en algún punto, se conectará con ella.

Esta es María Montoya, una artista colombiana que construye piezas preciosas, incómodas y emocionalmente impactantes.

Artículo por: Helena Rodríguez

VELVET HUNTING, es una sección dominical a detalle, que aborda personajes, lugares y acciones, que amplían la visión y propuesta latinoamericana.

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