Ford señaló que los niños en el supermercado al mando de un carrito de compras, pueden ser un peligro sobre ruedas, ya que en su imaginación es como si estuviesen detrás de un superdeportivo.

Self-Braking Trolley

Ford tuvo la idea de modificar uno de éstos carritos para crear el ‘Self-Braking Trolley’, éste cuenta en la parte frontal con un sensor, que como resultado activa al detectar algo frente a él y en consecuencia disminuye la velocidad gradualmente.

¨Pensamos que el mostrar ésta tecnología en un carrito de supermercado, es una buena manera de resaltar la utilidad que tiene en los autos para los conductores¨.

Anthony Ireson, director de Comunicaciones Ford Europa.

El “carrito con freno automático”, por ahora solo un prototipo, forma parte de la serie Ford Interventions, que utiliza tecnologías de automoción propias para resolver problemas del día a día a los que todos nos enfrentamos.

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¿Quién es Eduardo Kobra?

Hijo de una ama de casa y de un tapicero, Eduardo Kobra creció en una de las comunidades de la periferia de São Paulo (también llamadas “Favelas”). Detenido unas 3 veces por usar sus Sprays en las calles, es hoy uno de los muralistas, o artistas del graffiti, más aclamados y ovacionados de la historia del arte contemporáneo.

Es interesante saber que Eduardo Kobra empezó desde los 17 años con el Pichação, una forma de arte visual caracterizada por una particular tipografía y por ser realizada en zonas altas de la ciudad. También tiene una afición por estudiar las imágenes más representativas del pasado de la humanidad, cosa que, como veremos, es el pilar de muchas de sus obras.

Tanto el Pichação como su pasión por la histor, explica que sus imágenes puedan ser social, política y ambientalmente incómodas, como lo son impactantemente hermosas.

Por suerte, su arte es uno de esos que te permite mirar al pasado y sentirlo grato, o ver el suplicio de animales, montañas y ríos con un halo de esperanza.

Colores con K

El arte de Eduardo Kobra es social, fantástico, evocador de emociones y hasta político. En las más de 3mil obras que conforman su repertorio alrededor del mundo, encontramos 4 tipos de creaciones diferentes:

Obras en 3D que dan la impresión de estar y no estar allí. Con ellas, el artista logra ofrecernos una deslumbrante sensación de relieve hasta el punto de adentrarnos en ella. Puede ser una selva, una biblioteca o un barco dentro de una botella. Estar frente a una creación de este tipo convierte pequeñas imaginaciones en grandes imágenes.

Tenemos también, Los muros de la memoria. En estos, Kobra revive imágenes que son clásicas para la memoria colectiva. Imágenes que recuerdan algún momento, situación o persona que han sido significativas para la ciudad o la calle donde se sitúa. De esta manera, da nacimiento a imágenes hiperrealistas y evocadoras del pasado.

Eduardo Kobra nos expone, además, Los murales a gran escala, que es por lo que más se ha dado a conocer y se ha convertido en lo que es hoy mundialmente.

Además de los grandes y coloridos murales, tenemos también sus obras proyectadas al cuidado de la Naturaleza: GreenPincel. Estas son la campanada ambiental que el mundo y las calles necesitan. Muchos de sus trabajos son un manifiesto a la protección del medio ambiente, incómodo y hermoso a la vez, como solo Eduardo Kobra puede hacerlo.

Claro que podemos decir que Copacabana y las Cataratas de Iguazú son un imperdible para un viaje al corazón de la samba. Pero ir a Brasil y no experimentar el arte de Kobra, es como ir de viaje en blanco y negro. Por fortuna su obra se encuentra también, enorme y grandiosa, en todo el mundo. Así, podremos explorar, ver sus obras, viajar y ver todo a color… Con los colores de Kobra.

Artículo por: Helena Rodríguez

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Raffael Papian era conocido como uno de los más reconocidos coleccionistas del mundo. Entre sus posesiones se encuentran relojes únicos en su categoría.

El nacimiento de una marca trascendente

Con el tiempo desarrolló uno de los proyectos más importantes en su trayectoria: la inigualable Raff House. Edificio que antes de pertenecer a Papian, estuvo en manos de la realeza rusa.

Aquellos afortunados que se hicieran acreedores a una membresía, podían disfrutar de una enorme compilación de relojes de colección, destinados a aquellos que buscaban tener un reloj experiencia.

Papian entonces reclutó al reconocido relojero independiente Bernhard Lederer con el que empezó una colaboración que continúa hasta la actualidad. Juntos han creado importantes piezas de relojería, entre las que se encuentran Gagarin Tourbillon (imagen derecha) y Al-Noor Tourbillion (imagen izquierda).

Relojes élite

En 2017, Raffael Papian decidió iniciar su propia marca de relojes. Donde el intrincado y perfecto mecanismo cae bajo la responsabilidad de Lederer. Una característica distintiva de las piezas, es el nombre grabado del relojero en el reverso, símbolo de su compromiso con la calidad del producto.

Un reloj de su colección regular tiene un costo de 280 mil euros, mientras que el precio de su colección de joyería solo puede ser revelada bajo solicitud. Además, la marca Rafaelle Papian fabrica relojes únicos, uno de ellos es el Al Noor Royal.

Al Noor Royal

Este modelo en particular fue fabricado como un viaje cultural del pasado, presente y futuro de la herencia de la cultura islámica. Realizado bajo consulta del profesor de la Universidad de Newshate Jamal Sharif, quien supervisó el componente temático.

La pieza es fabricada en caja de platino, con una copia en diamante y esmeralda de corte baguette. El tamaño de las piedras armonizan al reloj que tiene grabado en oro la primer Sura del Corán.

Para conocer más o adquirir uno de estos exclusivos relojes, puedes visitar su página: Raffael Papian

Escrito por Francisco Aguilar

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Recordar a nuestros seres queridos puede lograrse de distintas formas: una foto, una canción, una pintura que evoque un recuerdo. Pero ¿Qué tal una camiseta cristalizada?

Completamente quieta en el tiempo, solidificada,Chris Bakay ha hecho exactamente esto. Inspirado en el fallecimiento de su hermano en 1996, el artista ha capturado la vida de diversas formas y en distintos instantes a través de esculturas translucidas que se convierten, tras un proceso arduo y delicado, en piezas de arte.

El artista Chris Bakay vive y trabaja en Houston (Texas). Como afortunadamente podemos notar, sus obras están basadas en las experiencias de su pasado.

Convirtiéndolas así, en obras de arte muy apreciadas. De la misma manera, la intricada y enmarañada naturaleza humana ha sido también inspiración para sus obras.

Colección: Retired Jerseys

Su colección Retired Jerseys, algo como “Jerseys jubilados”, ha cautivado el universo de la moda y del arte. Sobre todo, el que está propagado y extendido en internet; cosa que ni el mismo Chris Bakay se imaginaba.

La camiseta traslucida, que había creado tiempo atrás, se estaba siendo cada vez más popular en internet, sin que el artista siquiera lo notara.  

Hoy en día, son muchas las piezas de este gran artista que son populares. Algo profundamente sentimental nos atrae a estas obras idílicas y nostálgicas. En las palabras del propio Bakay:

“La gente se conecta con la historia de mi hermano y con sus propios recuerdos, guardados en cada uno de los objetos representados en estas obras […] la nostalgia se vuelve un bálsamo para la vida cotidiana”.

Las esculturas colgantes son hechas con resina epoxi o en uretano fundido. Algunas de ellas son claras, translucidas, con colores o teñidas. Gracias a la compañía Smooth-On, Bakay pudo hacer posible la creación de muchas de sus piezas que, entre otras muchas cosas, parecieran detener el tiempo. Dentro de estos objetos de arte podemos encontrar desde una dona, hasta una zapatilla o una camiseta vintage que siempre evoca algo en el espectador.

Dentro de estos objetos de arte podemos encontrar desde una dona, hasta una zapatilla o una camiseta vintage que siempre evoca algo en el espectador.

Oda a la nostalgia

Indiscutiblemente, las obras de Chris Bakey son una oda a la nostalgia y se han convertido en las favoritas de algunas casas de moda, pues evidentemente, la obra de Bakay recuerda la añoranza que suscita alguna de nuestras prendas, y cómo se pueden convertir en una caja de recuerdos.

La próxima exposición de Bakay se realizará en el Galveston Art Center en Texas. Se realizará del 27 de abril al 7 de julio de 2019, con su proyecto The Tangibility of Memory  “La Tangibilidad de la Memoria”. Esta exposición incluye camisetas y objetos cotidianos que nos recuerdan que nuestra ropa es más que un objeto funcional, es un lugar de memorias.

En pocas palabras, Chris Bakay es quien permitió la quietud de la memoria. Y esperamos que siga haciéndolo.

Artículo por: Helena Rodríguez

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Aquí la casa Chanel rinde homenaje a diversas colecciones. Este moderno sitio, colocado al interior del hôtel La Mistralée, recibirá a los clientes de la marca de lujo hasta el próximo mes de octubre de 2019, ya en época otoñal.

Todos los años, Chanel revela las especificaciones de su nueva tienda de temporada, ubicada en la zona del primer cuadro de la ciudad costera francesa. Este espacio ofrece una decoración completamente nueva, que respeta categóricamente el patrimonio y legado de la marca creada por Coco Chanel, incluido -obviamente- el código de color basado en negro y beige, combinación ya característica de la casa de moda.

La decoración de la exclusiva tienda Chanel combina el estilo -más bien clásico-, con muebles de tendencia más moderna. El espacio principal se enfoca en la colección de prêt-à-porter de temporada primavera-verano 2019, basada sobre todo en el tema de la playa; pero sin dejar de mostar los estupendos lentes para sol, fragancias, infinidad de accesorios, bolsos y naturalmente, zapatos.

Los clientes pueden disfrutar a su vez de una selección exquisita de diseños de relojes; que incluyen el ya conocido J12 y el Boy Friend; así como de diversas piezas de joyería, con un panorama más afocado en la colección Coco Crush.

Si vas de visita, no dejes de ir. La dirección de la boutique es: 1 Avenue Général Leclerc Saint-Tropez, 83990, France.

Redacción VELVET. Fotos: Chanel, journal.hautehorlogerie.org, Google Maps.

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La comida y el arte son dos cosas que combinan en cualquier rincón del planeta. Tanto la una como la otra, pueden ser tan exquisitas que te hace querer poseerlas con vehemencia. Pero ¿Qué ocurriría si la baguette que tanto deseabas esta mañana para el desayuno, se convirtiera de repente en tu bolso favorito? Bueno, pues Chloe Wise sería la artífice indicada para hacer una pieza como ésta en una apetecible realidad.

Chloe Wise es una artista nacida en Montreal (Canadá) y radicada en Nueva York. A sus 30 años se ha convertido en una de las artistas que más ha dado de qué hablar en el mundo de la moda y el arte.

Esto no es extraño, pues la artista ha realizado exposiciones maravillosas en donde la escultura, el óleo y la tinta la han llevado a tener un puesto relevante en el mundo del arte. Pero la colección Bread Bags de Chloe Wise fue, desde 2013, una de sus más importantes y notables exposiciones, sobre todo en el flamante mundo de la moda.

¡Comida, arte y moda!

La colección Bread Bags de Chloe Wise combina sobresalientes tipos de panes y exclusivas marcas de ropa. ¿El resultado? Desde una Baguette con el sello de Louis Vuitton, hasta unos apetitosos sándwiches de Prada. Lo que encontramos aquí, es una colección irreverente que ha llegado a confundir y encantar al mundo de la moda.

En 2014 la modelo India Menuez asistió al evento de Chanel para el lanzamiento de No. 5 The Film con el magnífico Bagel No. 5 de Chloe Wise  y todos los ojos estuvieron posados sobre ella.

Por supuesto, rodeada de celebridades y eminencias de la moda, la modelo logró exponer la obra de arte de su amiga Chloe de la forma más inesperada. Las preguntas no sobraron ¿Un Bagel de Chanel? ¿Es posible? ¿Cuándo salió? A los ojos impresionados de todos los asistentes, se articularon de forma placentera y confusa, el arte y la moda.

El dúo perfecto: artistas y moda

Pero Chloe Wise no ha sido la única artista que ha destacado en el mundo de la moda con sus obras. Por ejemplo, el artista del performance Liu Bolin, que es conocido por lograr hacerse invisible en diferentes escenarios, ha colaborado con la marca italiana Moncler. En esta colaboración se destacó a la vez la habilidad del artista y la presencia de la marca.

Además de Bolin y Wise, Latinoamérica no se queda atrás. El diseñador y artista mexicano Ricardo Seco quien participó para New Balance con unos tenis delicadamente inspirados en el trabajo artesanal de la tribu Wixárika, es también un ejemplo de la fusión entre arte y moda.

La lista de artistas que logran la unión justa con el universo laberíntico de la moda es inmensa. Pero lo que Chloe Wise, Liu Bolin o Ricardo Seco logran con sus colecciones, es hacernos sentir exactamente lo que moda + arte siempre nos han querido ofrecer: grandeza, impacto, elegancia y ¿Por qué no? Un antojo de bagel.

Artículo por:Helena Rodríguez

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Y es que la ciudad italiana, además de ser una capital de la moda, está a la cabeza del diseño. De esta manera, las diversas instalaciones repartidas por Milán, reciben a miles de interesados en las distintas propuestas. Las que son exhibidas en salones, ferias y calles.

Por eso, al hablar de tendencias, revelaciones y al mismo tiempo de trayectoria, podemos pensar en la Semana del Diseño de Milán.

Los creadores

A continuación, algunas innovadoras propuestas exhibidas en la Semana del Diseño en Milán:

Richard Yasmine – Hawa Beirut

Para empezar, Richard Yasmine presenta sus diseños en tono pastel que son una remembranza nostálgica de la arquitectura libanesa.

Daria Zinovatnaya – Swing Collection

Por otra parte, la joven arquitecta y diseñadora ucrania, Daria Zinovatnaya, exhibe su colorida colección de muebles. De esta manera podemos observar formas simples y referencias geométricas claras.

Beatrice Bonzanigo de IB Studio – Casa Ojalá

A continuación, Beatrice Bonzanigo presenta una hermosa casa adaptable y transportable que cuenta con 20 configuraciones abarcando solo 27 metros cuadrados.

Y sí, fue muy difícil seleccionar solo algunos, por ello, visitando milan.design.week, podrás conocer el trabajo de los demás expositores.

Espacio para el diseño: Salone del Mobile.Milano

En una de las presentaciones más importantes, podemos encontrarnos con lo mejor del diseño en muebles en el Salone del Mobile.Milano, donde se realizó la 58ª edición de esta instancia. En esta ocasión, se rindió homenaje a Leonardo da Vinci en el 500 aniversario de su muerte.

Además se realizó las 3ª edición del The Design Prize, premio a la excelencia en diseño a escala mundial. El ganador de la Golden Madonnina a Mejor Diseñador se lo llevó Michael Anastassiades. Por su trabajo posicionado entre las bellas artes y el diseño.

Sumado a esto, en el Fuorisalone, se realizó la sexta versión de “Porta Venezia in Design” donde la arquitectura y el diseño Art Nouveau se hicieron presentes.

En la actualidad, la Semana del Diseño en Milán, destaca el trabajo creativo en función de un diseño apto y consciente del contexto en que la obra se inserta.

Finalmente, podemos decir que la Semana del Diseño en Milán se enmarca como una de las mayores ferias, donde se congregan arquitectos, diseñadores y profesionales de las compañías más creativas del mercado global.

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Si bien es cierto que la colección incluye maceteros, floreros y lámparas, el objeto principal es práctico. Se trata de una mesa auxiliar para complementar cualquier espacio, ya sea en casa o en la oficina, e incluso en el jardín.

Esta mesa lateral de 3.5 kilogramos, es una invitación para que tus ambientes tengan un exclusivo toque azteca. Fabricada en polietileno -material plástico liviano resistente a la intemperie- con acabado de metal. Su diseño la convierte en una pieza contemporánea, que puede utilizarse también como banqueta, mesita de café, o bien ubicarlas una al lado de otra.

México es una línea elegante y versátil que otorga tintes modernos e inesperados. Está disponible en tres tonos metálicos: oro, plata y titanio. Complementándose entre sí, por lo que puedes escoger uno o mezclarlos entre sí.

La propuesta de Qeeboo

Qeeboo es una marca que se autodefine como una nueva forma de fabricación y distribución de diseño, creada por el reconocido diseñador Stefano Giovannoni, que apunta a producir muebles y objetos utilitarios de diseño en plástico resistente y a precios asequibles.

Escrito por Fabiola Basualto M.

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Los Huevos Fabergé son considerados obras maestras de la joyería. Caracterizados por una detallada decoración y valor exacerbado, derivado de las pocas piezas imperiales rusas originales que existen.

Su creador es el famoso orfebre ruso Peter Carl Fabergé, quien conservó siempre su reputación como un talentoso diseñador de joyería al trabajar con distintos materiales como piedras preciosas, semipreciosas y metales. Aplicando distintos estilos a sus obras: desde el ruso antiguo hasta el caricaturesco.

Obras maestras de la joyería

El primer huevo Fabergé fue creado en 1883 a partir de una solicitud especial por parte del Zar Alejandro III, que quería dárselo como obsequio a su joven esposa, la Zarina María, que sufría de depresión al extrañar su país natal Dinamarca. El huevo tenía una envoltura de platino que dentro escondía uno más pequeño de oro y que al abrirlo, descubría una gallina diminuta hecha del mismo material. Al animal lo adornaba un detalle clave: una réplica de la corona imperial rusa sobre su cabeza.  

La Zarina María quedó encantada con su obsequio y el Zar pidió a Fabergé fabricará uno nuevo cada Pascua. Si bien los peculiares objetos fueron preciados en su época, nadie imaginó que su relevancia continuaría hasta la actualidad

Fabergé fabricó en total 69 huevos de Pascua entre los años 1885 y 1917. Solamente se conservan 61 y del resto se desconoce completamente su paradero. El diseño de éstos estaba inspirado en estilos artísticos europeos que precedieron su creación. Como lo son el barroco, rococó, neoclasicismo o modernismo, por nombrar solo algunos de ellos.

Además de la Pascua, se fabricaron huevos para conmemorar distintos acontecimientos. Como por ejemplo, la terminación del ferrocarril Transiberiano, o la celebración de aniversarios importantes.

Actualmente la Casa Fabergé sigue fabricando artículos de lujo desde huevos y formidables joyas, hasta objetos artísticos.

Escrito por: Francisco Aguilar

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Para diseñar esta exclusiva suite, los dueños acudieron al aclamado artista británico Damien Hirst. Él plasmó su estilo vanguardista en los casi tres mil metros cuadrados y dos pisos que tiene la villa. Y la transformó en una grandiosa pieza de arte moderno.

Si bien es cierto que la suite fue diseñada con la colaboración de la prestigiosa casa de diseño interior Bentel & Bentel Architects, la huella de Hirst es apreciable en cada espacio. Decorada con obras originales del artista y salpicada con sus exclusivos motivos de mariposas y farmacéuticos, conjuga todos los elementos y accesorios para obtener un extraordinario resultado.

“La Suite Empatía, diseñada por Damien Hirst, es la cumbre de la combinación de lujo, el arte digno de un museo y una experiencia de hospitalidad verdaderamente legendaria para el aficionado a los hoteles y los huéspedes del casino que buscan una estadía única en Las Vegas“

Declaró el Gerente General de Palms Casino Resort Jon Gray a Designboom

Arte de primer nivel

Los muebles y textiles fueron diseñados especialmente para esta ocasión. Y se incorporan de manera elegante con giros exclusivos y formas sencillas.

Se puede decir que la suite Empatía es una fotografía en un museo de la obra de Hirst. En ella se exhiben seis de sus creaciones: “Ganador / Perdedor”, que consta de dos tiburones toro suspendidos en un tanque incrustado en un muro. “Casino Royal”, que es una colección de diez paneles con mariposas en lienzos monocromáticos pintados al brillo. El botiquín llamado “Vegas”; “El ganador se lo lleva todo” y “Dinero”.

Sin embargo, las dos grandes joyas de Empatía son una barra curva de 13 asientos, creada con desechos médicos por el artista junto con una piscina en forma de jacuzzi en voladizo. Esta última está adornada con mariposas, incrustaciones de mosaico y calcomanías de pastillas en su estructura de vidrio.

“Me encanta lo que Frank y Lorenzo Fertitta han hecho en “The Palms”. Es increíble poder trabajar con ellos, porque son grandes coleccionistas y entienden totalmente el arte. Me han permitido crear una suite en el hotel y diseñar todo y llenarlo completamente con mi arte “.

Detalló el artista Damien Hirst a Designboom

Escrito por Fabiola Basualto M. / Fotografías: Designboom

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