Fue estrenada en 1990, escrita por Alexandra Cardona Restrepo y protagonizada por Vicky Hernández, Gustavo Londoño y María Cristina Galvéz. Se trató de una coproducción entre Colombia, Cuba y España.

Quién iba a pensar que, luego de muchos años, los colombianos nos sentiríamos tan relacionados con la historia. No solo por el pasado que allí se narra. Ni tampoco por los elementos de idiosincrasia que nos identifican. Más bien porque, en pleno siglo XXI, experimentamos un toque de queda y un confinamiento similar al que vivieron los personajes. Sobre esto hablaremos a continuación.

SINOPSIS DE “CONFESIÓN A LAURA”

Como la idea es que la vean y, por ende, no realizar aquí spoiler, intentaré una breve sinopsis de “Confesión a Laura”.

La película cuenta la historia de Josefina, esposa conservadora y controladora de Santiago, hombre sumiso y temeroso, quien, haciendo caso al mandato de su esposa, lleva un pastel de cumpleaños a Laura, mujer de edad madura, sin esposo, vecina, amiga de Josefina, y quien vive en el edificio del frente. Una vez allí, se desatan hechos violentos en la calle, lo cual impide al hombre regresar a su hogar.

Todo esto lleva a que Laura y Santiago tengan una tarde-noche ambientada por brandy, tango y cena a la luz de las velas. Mientras tanto Josefina entra en celos y busca ordenar la situación. Pasan un sinfín de cosas que no solo rompen los esquemas sociales de la época (y actuales), sino que también irán escudriñando los sueños y temores de los personajes. Al final, si se consume, o no, un acto de infidelidad ustedes lo tendrán que averiguar viendo la película.

TOQUE DE QUEDA EN “CONFESIÓN A LAURA”

Dicho lo anterior, el contexto histórico de “Confesión a Laura” está dado por el “Bogotazo”. Para los que no conozcan, se trata de una serie de acontecimientos que se desataron en Bogotá, gracias a la ira generada (y a las bebidas embriagantes, claro está) luego que el caudillo liberal, Jorge Eliecer Gaitán, fuera asesinado. Fue un nueve de abril de 1948. Las calles fueron tomadas por civiles armados y militares. Toda una serie de asesinatos, saqueos y destrucción, que marcaría la historia de la capital y del país.

Ahora bien, lo más cercano a un toque de queda, como el que se vivió días después del “Bogotazo”, sucedió el año pasado, posterior a las protestas del 21 de noviembre. Luego de las inmensas manifestaciones contra el gobierno de Iván Duque, se empezaron a crear una serie de campañas de terror, anunciando que masas enardecidas se estaban metiendo a la fuerza a los conjuntos residenciales. Información que a la final no fue comprobada del todo y que sigue, recordando a Chomsky, una de sus estrategias de manipulación de masas valiéndose de los medios de comunicación. En resumen, pareciera que se creó el peligro y a la vez la solución a este.

CONFINAMIENTO EN “CONFESIÓN A LAURA”

Por otro lado, todos los hechos que generan las situaciones en esta película se dan gracias al confinamiento que viven los personajes. Josefina, Santiago y Laura, por azares del destino, se ven obligados al encierro con una situación que rompe la normalidad: Santiago se ve obligado a quedarse en casa de Laura, de la cual Josefina tiene vista desde su apartamento el cual queda al frente.

Pues bien, este año nos enfrentamos a otro de los elementos principales de este largometraje, gracias a la cuarentena que ha generado el COVID-19. Tema de por sí muy tratado y que, supongo, nos tendrá un poco aburridos, por lo cual no ahondaré. Por esto, como suele suceder en The Simpsons, contamos con versión criolla de un audiovisual que predijo lo que viviríamos. Y, valga decir aquí, que si hay alguien que esté viviendo la experiencia de Santiago por culpa de la pandemia, espero me contacte porque sería una excelente crónica para una próxima columna.

CONCLUSIÓN

Finalmente, espero que vean “Confesión a Laura”, pues, a mí parecer, es una gran exponente del cine colombiano. Hay otras que recuerdo con afecto, como “Rodrigo D No Futuro” (Gaviria, 1990), “Apocalipsur” (Mejía, 2007), “La estrategia del Caracol” (Cabrera, 1993), Kalibre 35 (García, 2000) y, más recientemente, “El páramo” (Osorio, 2011), “Saudó – Laberinto de almas” (Hendrix Hinestroza, 2016) o “El abrazo de la serpiente” (Guerra, 2015), entre otras.

Es inevitable no mencionar el reciente escándalo por acoso y abuso sexual contra Ciro Guerra, director de “El abrazo de la serpiente”. Lo más justo es no adelantarnos a los hechos, pues tiene el derecho a la defensa. Pero, de ser comprobadas estas denuncias, la solidaridad siempre estará con las víctimas.

Como también es inevitable no enviar un saludo y apoyo a toda la comunidad LGTBIQ+ en esta celebración por un mundo libre e incluyente.

No siendo más, agradezco el tiempo que han dedicado a esta lectura y nos vemos el próximo sábado ¡Caraculiambros!

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La artista uruguaya nos concedió una encantadora entrevista para Velvet Hunting. Hoy vamos a conocer a una artista de 25 años que nos muestra con delicadeza sus ideas más fuertes: Melanie Cobham.

ENTRE EL CAMPO Y EL ARTE

Melanie es una preciosa combinación entre la añoranza, la tranquilidad y la tierna caricia del campo uruguayo, con la firmeza y vigor de sus ideas creativas. Juega tenis desde los 6 años, hija de una madre psicoanalista y un padre dedicado al campo.

 “Siempre me gustaron las artes y hacer cosas con las manos. Desde que vivía en el campo los modos de entretenimiento eran distintos. Cosíamos, armábamos cosas. En mi casa siempre se hacía toda la comida, se ordeñaba la vaca, se hacía la mermelada, la miel… todo era con las manos. Creo que crecí con eso y me influenció bastante al escoger una carrera que fuera más artesanal y creativa”

Cuando recuerda sobre el campo, mientras me habla, tiene una gran sonrisa. Es claro que su descubrimiento artístico ha crecido junto a ella misma, entre el tiempo apacible que regala el campo uruguayo y el movimiento de sus manos. Sus padres no venían de un contexto artístico, por lo que Melanie tuvo que luchar un poco para dar a entender a su familia lo que se puede hacer y construir con una carrera en el arte.

Así, desde los 18 años ha batallado por defender su camino con el arte. Empezó a trabajar en un colegio dando clases de arte, convirtiéndose en una institución que respaldaba sus sueños. Melanie pudo así continuar haciendo lo que siempre quiso hacer. “Mis padres entendieron que era un estilo de vida bastante difícil y sacrificado. No hay fines de semana o vacaciones. Cuando me vieron totalmente comprometida y que le ponía el 200% a todo lo que hacía, me dieron el espacio para desarrollarme.”

SER Y CREAR

Según Melanie el arte es la única carrera que te permite enlazar el ser y tu profesión íntimamente. “Mi hermano por ejemplo estudia economía. Pero él va a la facultad, estudia o trabaja y cuando termina deja de ser economista y pasa a ser otra cosa. Pasa a ser su yo de ocio o de lo que sea. Yo nunca paso a ser otra persona, el arte como profesión y yo, estamos interconectados. Incluso los momentos que no tienen que ver con arte me nutren”. Para Melanie, ser artista no es distinguible de estar viva.

Hoy la artista uruguaya está explorando y explorándose a sí misma muy lejos del campo en dónde comenzaron sus planes y sueños. Melanie Cobham es hoy una estudiante de arte contemporáneo en la Universidad de Melbourne.

UNA COMPOSICIÓN DE MUCHAS TÉCNICAS

Ella es un compuesto armonioso de muchas técnicas, desde la fotografía hasta el bordado o la joyería, y sobre todo una combinación de simbolismo e investigación:

“Mi forma de ser es bastante ordenada y estructurada. Lucho bastante con mi propia estructura porque eso trunca un poco mi proceso creativo. Mi trabajo responde mucho a la investigación, es muy lento, muy pensado. De hecho, tengo un cuaderno donde escribo todo, todas mis ideas. Siempre es a través de la escritura que mis ideas se refinan en cosas más claras. A veces escribo sobre nada o sobre el folleto de una exhibición. Después cuando se convierte en algo más interesante empiezo a investigar, mucho”

Aunque Melanie siempre regresa al dibujo, la escritura hace parte indispensable de su desarrollo creativo. Definir su arte como uno solo, de una sola vía, no solo sería simplista, sino que ignoraría gran parte de su trabajo. El proceso artístico de Melanie está construido en el caos de un genio.

“Hay pocos trabajos que sean mis favoritos porque todos mis trabajos pasan por un ciclo en donde odio lo que estoy haciendo y luego creo que tal vez no están tan mal, después me parece genial, luego lo odio de vuelta y así todo el tiempo.”

Amar una pieza, odiarla, volver a amarla, estudiar, investigar, volver a estudiar y terminar, por fin, con una obra entre sus manos es probablemente un proceso arduo, pero que solo alguien con el carácter de Melanie podría lograr. Entre sus tímidos silencios siempre está creando, y eso es maravilloso.

SU ATREVIDA TIMIDEZ

“Soy bastante tranquila y me cuesta un poco el networking, tal vez soy algo tímida, no me gusta estorbar” me dice. Pero su timidez no entorpece su trabajo, lo alimenta; la soledad de su estudio y su constante formación, la búsqueda constante para cultivarse en silencio, le ha dado un estilo único a sus piezas.

“Me estoy proponiendo salir más de la soledad de mi propio estudio, trabajar más con otros para dejar que otras personas me nutran en mi percepción del mundo”

El trabajo artístico de Melanie no deja de evolucionar. A pesar de no tener una personalidad confrontativa, Melanie ha construido un arte reivindicativo y político. “Al principio fue una búsqueda de identidad personal, pero se convirtió en una de identidad nacional“. Y claro que lo hizo: Melanie ha tratado de entender cómo Uruguay siendo un país colonizado trata de entender su propia identidad y qué dificultades trae eso.

En su ultima pieza recrea la bandera de los 33 orientales con su lema LIBERTAD O MUERTE, pero en idioma esperanto. “Quise reinterpretar la bandera, que fue la que se usó en la revolución. Esa bandera tiene un lema ‘Libertad o Muerte’, en español;¿Para quién estaba escrita esa leyenda?  El texto lo cambié a esperanto, un idioma creado para fomentar el entendimiento entre las naciones en caso de emergencia”.

La artista también tiene una vena feminista muy marcada, incluso desde antes de viajar a Australia. Inspirada por historias de sus amigos cercanos y de grandes artistas como la fotógrafa Diane Arbus, Melanie ha logrado delimitar sus ideas en sus piezas. Y al estar en un espacio de retroalimentación permanente en Australia ha logrado nutrir estás ideas con relación al feminismo.

DECONSTRUIRSE Y DESAPRENDER

Me cuenta que un día, la Melanie de unos 17 años realizó una pequeña exposición en su país natal. “Una mujer se me acercó llorando, me dijo algo y luego se fue. Sentí que mi mensaje estaba llegando y que yo no estaba errada en lo que estaba haciendo. Fue la primera vez que expuse y me sentí completamente expuesta y vulnerable, como desnuda. Pero al mismo tiempo sentía que iba por el camino correcto”

Ella misma reconoce la sutileza de los mensajes en su piezas y obras. Sin dejar de ser firme y fuerte, Melanie es delicada y liviana. “Busco que la imagen, en lugar de crear un choque, siembre una semilla. Esa semilla sigue creciendo y sigue creando otras ideas. Yo paso a ser parte de la vida del observador, y para mí la única forma de lograr eso es a partir de la sutileza. Pero una sutileza que no pierda su poder, que sea potente y cargada de información.”

Cuando quise averiguar sobre cuál era objetivo de esta sutileza, de la fortaleza, de la escritura, del dibujo, de la bandera, me dijo algo que de hoy en adelante aplicaré cada vez que quiera enfrentarme a algo, incluso a mi misma:

“Creo que mi objetivo es fomentar que otros desaprendan y deconstruyan cosas en silencio y en soledad. Quiero ayudar a un proceso interno de deconstrucción. Quiero que la gente se dé un tiempo para mirar. Estamos todos muy apurados y al final pasa todo lo importante. Está bueno que la gente se cuestione sus estructuras, se haga preguntas”

¿Lograr hacer tambalear los cimientos de los seres humanos de forma tan delicada y con tanto cuidado? Melanie Cobham puede hacerlo. Lo hizo conmigo, y espero que lo haga con quien lea aquí un fragmento de su historia.

Artículo por Helena Rodríguez

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No, no es ningún tema religioso. Hoy te contaré del artista búlgaro, Christo Vladimirov Javacheff, más conocido por ser pareja (no solo profesionalmente) de Jeanne Claude. Y te contaré de él por dos razones.

LOS VIAJES DE LA VIDA

Por lo general, hay dos formas de viajar. El primero es partir sin ninguna intención o itinerario real; dejando que la vida te sorprenda y que los acontecimientos te lleven quien sabe donde. Viviendo un poco de improvisación, así como solo un buen músico de jazz sabe hacer. O si no, estableciendo un propósito explícito y especifico para ese viaje.

De una forma o de la otra, el arte es como encontrarnos de frente a un viaje. Puedes tomar un camino “irracional”, dejando que los colores llenen esa curiosidad que traes por dentro. Abandonándote a los colores del arte moderno, a las abstracciones del arte contemporáneo… o, irte por un camino más racional, con estructuras más definidas, admirando la complejidad y belleza del arte clásico.

¿Qué tipo de viaje harías tú?

CUANDO LA REALIDAD ES UNA OBRA DE ARTE

Una categoría a parte, son los estetas. Aquellos artistas que te ponen de frente a una realidad, una realidad física, existente, hermosamente palpable. Y hacen de esa realidad una obra de arte. Uno de ellos era el famoso duo compuesto por los artistas Christo y Jeanne Claude.

Este duo colaboró junto por más de medio siglo: en el 2009 falleció Jeanne Claude y el día de hoy, 31 de mayo 2020, Christo. A este duo de estetas los recordamos por haber regalado a su público, los viajes más sensacionales que pudieran tener en sus vidas. Un viaje dentro una obra de arte.

Muchas veces, nos pasa hasta en nuestra misma ciudad, que cuando pasamos por algún lugar, dejamos de emocionarnos de ciertas peculiaridades. Y cuando vemos en el extranjero una publicidad de nuestro país o ciudad, nos enorgullece ser parte de esa belleza que los demás desean.

¿Les ha pasado?

Gracias a las obras de arte de arte de Jeanne Claude y Christo, esa sensación ha sido amplificada cada vez que tomaban algunas ciudades como escenario de sus instalaciones.

EL ARTE ADENTRO DE LA OBRA DE ARTE

Podríamos mencionar muchos ejemplos donde sus instalaciones, además de adaptarse al espacio entorno, han enorgullecido sus habitantes. Uno de los últimos fue en Italia, uno de los proyectos más ambiciosos que Christo ha realizado. Se trata de “The floating piers” una plataforma flotante adentro del lago de Iseo, en el norte de Italia, realizada en el 2016.

La forma en la que esta obra de arte ha impactado ha sido primero de todo por la grandeza. Un total de 4,5 km flotantes donde más de 1 millón de personas han caminado.

EL PROYECTO INICIAL DE CHRISTO

El proyecto inicial veía este tipo de instalación en Latinoamérica, exactamente en Argentina. En el 1969 el famoso historiador de arte argentino Jorge Romero Brest, había sugerido a Christo y Jeanne Claude que realizaran una instalación en Argentina, y el duo de artistas propuso una primera versión de “The floating Piers” en el delta del Río Plata en Buenos Aires. Lamentablemente nunca se llevó a cabo.

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¿Se imaginan que gran honor hubiera sido tener una obra de arte de Christo en Latinoamérica?

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Este martes 26 de mayo a las 6 de la tarde se llevará a cabo la “Subasta de Vinos de Colección, Uso Diario y Destilados” en Morton Subastas en la que destacan cinco botellas intervenidas por artistas o de producción limitada.

PIEZAS DE COLECCIÓN EN MORTON SUBASTAS

VINOS

1. Vitral de Otazu 2013 de la Bodega Otazu, cuya etiqueta es una cromointerferencia del artista Carlos Cruz- Diez

Se trata de una botella de Vitral de Otazu, cosecha 2013, de la Bodega Otazu (España), cuya etiqueta es una cromointerferencia del artista venezolano Carlos Cruz-Diez, conocido por ser representante del arte cinético y el manejo de la luz.

Esto completa una experiencia sensorial y estética, pues se cuenta con la belleza de la obra y el sabor extraordinario de uno de los mejores vinos españoles.

2. Château Mouton Rothschild 2009 con etiqueta diseñada por Anish Kapoor

La tradición de las etiquetas en las botellas Mouton nació en 1924; en 1945 encargan a Phillippe Julian, un joven pintor, un cuadro que plasmara el triunfo con una “V” de victoria.

Desde ese momento, cada año un artista reconocido es el encargado de diseñar las etiquetas con una obra exclusiva. En 2009, el artista británico-hindú, Anish Kapoor, creó la etiqueta para Château Mouton Rothschild de ese año, en la que plasmó la vida vegetal, la materia y la luz.

COGNAC

3. Courvoisier Erté, diseñada por el artista Art Deco, Romain de Tirtoff

Otra pieza codiciada por los coleccionistas que se verá en la subasta es una botella de cognac Courvoisier Erté la cual fue diseñada por el artista Art Deco, Romain de Tirtoff “Erté”.

Con iconografía de deidades, en la etiqueta de la botella se representa “la esencia gloriosa” de un cognac añejado que sale de la barrica.

4. Una botella de cognac Château Paulet, en una licorera de cristal Lalique.

La delicadeza se hace presente en Château Paulet, una licorera de cristal Lalique. René Jules Lalique fue un vidriero y joyero francés.

Creó envases de perfume, vasos, candelabros, relojes y botellas de licor para diversas marcas con su estilo modernista. Lalique tiene su propio museo en Lisboa.

TEQUILA

5. Una botella de tequila edición especial por su 250 aniversario

La casa José Cuervo cumplió 250 años. Establecida en 1758, cuando el rey de España otorgó tierras a Don José Antonio de Cuervo para fundar una de las empresas tequileras más longevas del mundo, y lo festejó con un diseño especial con lujo y elegancia. Para la edición, de 2010, se realizaron solo 175 botellas, lo cual las hace conmemorativas y únicas.

MÁS DETALLES

Morton Subastas llevará a cabo esta subasta el martes 26 de mayo de 2020 a las 6 de la tarde.

¿COMO PARTICIPAR?

Se podrá ofertar SOLO dejando puja fija o al teléfono, registrándose previamente vía telefónica al 55 52833140 o al correo electrónico [email protected]. También se podrá hacer mediante internet, desde la página web www.mortonsubastas.com y el subastador llevará el acto con el salón de subastas a puerta cerrada.

Definitivamente los buenos y malos momentos de la vida se acompañan con una copa de buen vino y los coleccionistas y especialistas lo saben.

PARA VER TODO EL CATÁLOGO DALE CLIC AQUÍ

CREDITOS: DIANA ALARCON AGENCY

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Fotográfo autodidácta, Benjamin Everett (también apodado BeJamin) comenzó como pintor de paisajes antes de mudarse a la fotografía digital. Fue su búsqueda por material de referencia, lo que lo obligó a utilizar una cámara. Tras una breve experimentación con ella, sabía su carrera como pintor debía evolucionar.

Influencias pictóricas

Originalmente, Everett estudió arquitectura y se desarrollo profesionalmente como diseñador gráfico. Ambas experiencias han influenciado su estilo fotográfico, en el que las imágenes tienen elementos, en palabras del fotográfo: pictóricos.

“[…]No pienso mucho en estilo, pero la mayoría de mis influencias vienen de la pintura. Mostrar múltiples perspectivas o momentos en el tiempo, dentro de un cuadro, podría ser como el cubismo. El interés en la luz del impresionismo. Seguir la emoción sobre la realidad literal, del expresionismo. La representación heroica de la naturaleza del romanticismo. Rompiendo cualquiera de las reglas sobre fotografía o restricciones de un solo cuadro sería modernista”

Benjamin Everett, fotógrafo.

Masters

Recientemente, Everett fue galardonado con el premio Masters. Otorgado por la prestigiosa fabricante de cámaras Hasselblad.

De acuerdo a Everett, sus serie de fotografías buscaba representar reacciones muy personales al panorama en el que se encontraba. Una introspección sobre alguna idea o sentimiento que el paisaje en cuestión le evocaba. Y a la vez, explorar la relación entre la pintura y la fotografía al utilizar formas que parecieran pinceladas como pinceladas en sí mismas.

Para conocer más del impresionante trabajo de Benjamin Everett, no dudes en visitar su página dando clic al enlace.

También puedes seguirlo en Instagram.

Escrito por Francisco Aguilar

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El Museo de Antioquia alberga en su colección más de 5,000 piezas, entre ellas 4,244 categorizadas como obras de arte e historia.

Asimismo, desde 2011 se han realizado 135 donaciones a la institución, donde resalta la serie de 61 piezas del artista Fernando Botero: Viacrucis, la pasión de Cristo.

MÁS DE UN SIGLO DE HISTORIA

Fundado en 1881 por el gobierno de la época con el nombre “Museo y Biblioteca de Zea”, en honor al botánico Francisco Antonio Zea, que tuvo un papel en el movimiento de independencia de inicios del siglo XIX en Colombia.

En sus inicios el museo ofertaba, entre otras cosas, exhibiciones permanentes de reliquias históricas que pertenecían a personalidades o estaban relacionadas al movimiento de independencia, pinturas coloniales y manuscritos.

En las décadas posteriores, en el museo existieron tiempos de precariedad, fracaso, construcción, prosperidad y cambios de administración que modelaron el recinto que ahora lidera la diplomática María del Rosario Escobar.

Se trata de una nstitución cultural que tras un siglo y algunos cambios de ubicación, se perfila como una de las más importantes de Colombia y de toda Latinoamérica.

UN ESPACIO HONORÍFICO

El museo respira la identidad de uno de los artistas colombianos más representativos: el gran Fernando Botero. Quien cuenta con una sala en su honor, donde se encuentran algunas de sus mejores piezas.

Fue el propio Botero quien comenzó a donar su obra al museo desde 1975, incluyendo la pintura Exvoto y una serie de esculturas de menor escala en 1984. Sus obras más monumentales se encuentran en la Plaza, al exterior del Museo.

No dejes pasar la oportunidad de visitar el Museo de Antioquia. La entrada tiene un costo de $12,000 pesos colombianos para visitantes nacionales y $14,000 pesos colombianos para visitantes extranjeros.

Para conocer más sobre el museo y sus exposiciones actuales, da Click AQUI.

Escrito por Francisco Aguilar

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Es verdad, las subastas de primavera fueron suspendidas (presenciales) pero la gestión de las ventas en línea ha sido tan profesional que no se han enfrentado a un daño tan grande como en otros sectores.

LA BELLEZA SALVARÁ EL MUNDO DECÍA DOSTOEVSKI

El CEO de Christie’s Guillaume Cerutti en un comunicado habla de la situación del arte postpandemia, declarando que:

“El impacto ante la crisis no ha sido tan fuerte, debido al aumento de las ventas privadas también.”

Sin duda, la estabilidad financiera de la empresa y el apoyo de los financiadores detrás de ella, han sido importantes también.

Es así, a pesar de la situación que el mundo estaba enfrentando, el arte resistió y con ella también las ganas de comprar arte. Las casas de subastas más renombradas, además, aprovecharon de este tiempo para reflexionar y estudiar nuevas formas de ofrecer un mejor servicio a sus clientes.

Hoy te traemos un poco una actualización del mundo de las subastas de arte en línea, enfocándonos en Christie’s. La histórica casa de subastas inglesa trae novedades.

LAS VENTAS EN LINEA: UN NUEVO CONCEPTO

Christie’s ha anunciado el nuevo proyecto ONE: un concepto de venta nuevo e innovador. El 10 de julio, utilizando tecnología de transmisión, realizarán una primera subasta en tiempo real en las zonas horarias de cuatro de los principales centros del mundo del arte: Nueva York, Londres, París y Hong Kong.

ONE, ofrecerá arte impresionista y moderno, arte y diseño de posguerra y contemporáneo en cuatro sesiones consecutivas, dirigidas por subastadores principales en cada región.

Este nuevo formato estará abierto para audiencias en persona y en línea; el objetivo es crear una plataforma de venta adaptable, inclusiva y altamente atractiva para presentar importantes obras de arte a los licitadores de todo el mundo.

LAS SUBASTAS NO PARAN, EL ARTE TAMPOCO

EN ASIA

Christie’s, por otro lado, está trabajando a la reapertura progresiva de las oficinas en todo el mundo. En Asia, la mayoría de las oficinas están abiertas y en pleno funcionamiento. De hecho, las próximas ventas en Hong Kong continuarán como programado del 8 al 13 de julio.

A pesar de la situación, nuevas colaboraciones y alianzas han surgido durante esta pandemia. Una de ellas es con China Guardian Auctions, la cual se asociará con Christie’s en septiembre para organizar una serie de ventas y exhibiciones en torno a un tema de positividad.

EN EUROPA

En Europa, la mayoría de las oficinas han vuelto a abrir, o volverán a abrir en breve. En París, en particular, se están realizando preparativos para reanudar las ventas en vivo en las galerías Avenue Matignon a partir del 26 de mayo, comenzando con The Collector: Le Goût Français.

Del mismo modo, en el Reino Unido, se reabrirá en London King Street a partir del 1 de junio.

EN LAS AMÉRICAS

La mayoría de las oficinas permanecen cerradas, especialmente en Nueva York, en el Rockefeller Center.

¿DE QUÉ MANERA LA BELLEZA SALVARÁ EL MUNDO?

Si es verdad que en este sector el dinero no ha faltado, y que la crisis no ha impactado como en otros sectores, pues hay que reconocer que el sector del arte nunca ha parado con las ayudas humanitarias. Esta podría sera la forma en la que la belleza podría salvar el mundo.

En los próximos meses, Christie’s se asociará con amfAR, The Foundation for AIDS Research, para recaudar fondos críticos para la investigación de COVID-19 a través de una subasta dedicada titulada From the Studio, con obras donadas por coleccionistas y artistas.

Escrito por Ainy W.

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LA CONSTRUCCIÓN

Ubicado en la Quinta da Boa Vista, nombre que recibe por sus impresionantes postales, la construcción del palacio fue un anhelo del emperador portugués Pedro I, quien se fascinaba por la naturaleza del lugar cuando viajaba por el camino de Minas Gerais en busca de apoyo político.

¿QUIÉN ERA PEDRO I?

Este emblemático personaje proclamó la independencia de Brasil y fue su primer jefe de Estado y emperador. Además, ascendió al trono portugués por un breve periodo bajo el nombre de Pedro IV. Es, a su vez, de los pocos gobernantes que ha ostentado simultáneamente los títulos de emperador y rey.

CONTEXTO HISTÓRICO

Los increíbles paisajes y clima templado de la zona encandilaron al también llamado “rey soldado”. Sin embargo, nunca concretó su sueño, debido a la negativa del dueño del terreno a vender. Por este motivo, al morir su padre y a modo de homenaje, Pedro II compró la hacienda y levantó el palacio tal como lo había imaginado por su progenitor.

LA CONSTRUCCIÓN DE “UN SUEÑO” IMPERIAL

Esta inmensa obra se desarrolló entre 1845 y 1862, e incluyó la construcción de toda la ciudad, bautizada de Petrópolis. Esto, a fin de crear un maravilloso entorno que acompañara la residencia real, pues -para entonces- el lugar estaba deshabitado.

Con la llegada de la República, la familia imperial fue desalojada y despojada de sus pertenencias, muchas de las cuales fueron vendidas. Desde 1889 a 1891, este edificio albergó a la Asamblea Constituyente de Brasil. Posteriormente, el palacio se transformó en el Colegio Notre Dame de Sion y luego dio paso a la Escuela San Vicente de Paula. De hecho, un ex alumno planteó la idea de convertirla en un museo, debido a su alto valor histórico. Fue así como en marzo de 1943 se convirtió en el Museo Imperial.

EL MUSEO

La antigua residencia imperial, tiene una extensión de 11.400 m², de los cuales 3.500 corresponden a salas de exposición. La mayoría de la decoración corresponde a la original: pisos de piedra, los estucos murales, candelabros, adornos, obras de arte, objetos personales y muebles. En esta misma línea, en los ambientes restaurados, se ha respetado el aspecto que tenían cuando lo habitaba la familia real.

TESOROS DE FAMILIA

Particularmente importantes son las joyas imperiales, entre las que se encuentras las coronas de Pedro I y Pedro II. Este último asumió el poder con 15 años.

Dentro del mobiliario se conserva la sala de estar de la emperatriz y las princesas; el comedor con muebles y vajilla; la sala de música, que tiene instrumentos únicos; el State Hall, donde se recibían a importantes actores políticos; el trono; el primer teléfono de Brasil; retratos familiares, por nombrar algunos.

LOS JARDINES

En 1854 y bajo la guía del emperador, el paisajista francés Jean Baptiste Binot diseñó los jardines que rodean el palacio.  Alrededor de cien especies de árboles y flores endémicas e internacionales fueron utilizadas y complementadas con pedestales de granito, donde se dispusieron estatuas mitológicas.

Un cinturón de árboles exóticos rodea el museo. Si bien es cierto que aún se mantienen las líneas del paisaje original, sus dimensiones se han reducido.

LA BIBLIOTECA

Un impresionante catálogo bibliográfico con cerca de 50 mil volúmenes, especializado en Historia de Brasil y Artes en general componen la colección. Además, incluye una sección de publicaciones periódicas, partituras, iluminaciones, manuscritos, exlibris, informes de provincias y ministerios, y una colección de Leyes del Imperio.

Asimismo, hay más de 250 mil archivos originales y fotografías que datan del siglo XIII hasta el siglo XX, y que documentan la historia y evolución de los aspectos urbanos y paisajísticos de Río de Janeiro y la ciudad de Petrópolis.

“De las 537.000 obras existentes, 1.560 son piezas únicas, como el libro ‘Historia natural’ de 1481”

TESORO CULTURAL

El museo también es reconocido por la riqueza de su departamento paleontológico. Compuesto por más de 26 mil fósiles, posee un esqueleto de dinosaurio descubierto en Minais Gerais, además de numerosos especímenes de otras especies extintas, como perezosos gigantes y tigres dientes de sable.

Respecto a su colección antropológica, el Museo Imperial conserva el fósil humano más antiguo, el cual fue descubierto en Brasil y es conocido como “Luzia”.

Por su parte, el departamento de zoología contempla 6,5 millones de especímenes, como peces, anfibios, moluscos, reptiles y otros. El herbario, creado en 1831 por la familia real, contempla 550 mil plantas.

UN GIGANTE QUE SE RESISTE A MORIR

Pero el museo no solo exhibe sus objetos. Ya desde el siglo XIX cuenta con recursos para la investigación, siendo la institución científica más antigua del país. En este sentido, reputadas personalidades científicas lo han visitado, como Albert Einstein y Marie Curie.

Sin embargo, no todo es color de rosa. En agosto de 1995, el edificio resultó con graves daños por el paso de inclementes tormentas que estropearon parte de su colección.

Dentro de las pérdidas, se encuentran momias egipcias con más de tres mil años de antigüedad y partes de un esqueleto de tiranosaurio que se disolvieron en el agua.

EL INCENDIO

Además, a lo largo del tiempo, el Museo Imperial ha sufrido importantes recortes presupuestarios. De hecho, en 2015, debió cerrarse por falta de recursos.

Posteriormente fue reabierto, aunque como no recibía los fondos gubernamentales destinados para su manutención, sus paredes se agrietaron y muchas de sus conexiones eléctricas quedaron al descubierto. Esto habría generado el incendio que lo consumió en septiembre de 2018, mismo año en el que cumplió dos siglos de vida.

“Con esta catástrofe se perdieron 200 años de trabajo, investigación y conocimiento, pero también se destruyó un edificio testigo de importantes acontecimientos históricos de Brasil”

Ex Presidente brasileño Michel Temer, a T13.

MUSEO SOBREVIVIENTE

Pese a los esfuerzos, fue imposible salvaguardar todas las piezas. Las llamas devoraron reliquias de diversa índole provenientes de todo el mundo. No obstante, su catálogo es tan amplio que solo el 1% de los objetos estaban en exposición.

Sin duda alguna, que el Museo Imperial de Brasil es un sobreviviente que se niega a desaparecer, como si en sus cimientos tuviera arraigado el vigor del “rey soldado”, su gestor.

CURIOSIDADES

Para recorrerlo, te entregarán zapatos especiales a fin de cuidar sus pisos de dos siglos de antigüedad.

Escrito por Fabiola Basualto M. / Fotografías de Pinterest

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El 12 de mayo se celebran las enfermeras para valorizar su trabajo sobre todo durante esta pandemia mundial. El famoso artista Banksy rinde homenaje a los médicos y enfermeras que han trabajado en primera línea ante el Covid-19, con un nuevo trabajo.

UN HOMENAJE ARTÍSTICO A LAS ENFERMERAS

El último trabajo del famoso y misterioso street artist está exhibido en el Hospital General de Southampton. El nombre de la obra es “Game Changer” y representa a un niño que deja a Batman y Spider-Man en la canasta de juguetes, prefiriendo un nuevo superhéroe: una enfermera con el delantal de la Cruz Roja, la máscara en la cara y una capa que junto con el brazo en alto haz que se parezca a Superman.

“Gracias por todo lo que hacen. Espero que ilumine un poco el lugar, aunque solo sea en blanco y negro”

Afirma el artista Banksy

Este fue el mensaje que dejó el artista en el hospital.

STREET ART EN VENTA

La única nota de color es la cruz roja en el pecho de la enfermera. La pintura permanecerá en exhibición en el hospital hasta el otoño y luego se venderá con fines benéficos.

¿POR QUÉ SE CELEBRA EL DÍA DE LAS ENFERMERAS?

El día que se donó el trabajo, el 6 de mayo, fue el Día Nacional de la Enfermera, en los Estados Unidos. A finales del siglo XIX, “La dama de la lámpara”, como se conoce mejor a Florence Nightingale, fundó la enfermería moderna.

Gracias a su uso riguroso de las prácticas de higiene y lavado de manos durante el tratamiento de los soldados heridos en la Guerra de Crimea, la enfermera Nightingale y sus ayudantes redujeron la tasa de mortalidad del 42% al 2%.

El 6 de mayo se reconoce el importante papel que desempeñan las enfermeras en nuestras vidas al celebrar el Día Nacional de Enfermería.

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Otros habrán analizado el comportamiento y formación de ellas. Pero ninguno las habrá abordado con la importancia en que los incas lo hicieron. Por lo tanto, la revista Velvet revela los porqués y describe el majestuoso Planetarium Cusco, un lugar en el que las estrellas están cerca de ti.  

CUSCO: CIUDAD CREADA POR LAS ESTRELLAS

Existen dos leyendas que sugieren que Cusco es creación de las estrellas:

• La primera, infiere que Manco Cápac y Mama Ocllo, hijos del dios sol y de la diosa luna, partieron en búsqueda de un lugar para fundar una ciudad. El lugar elegido sería aquel donde una vara de oro se clavará de un solo golpe y fue Cusco esa ciudad sagrada.
• La segunda, infiere que  los hermanos Mama Ocllo y Ayar Manco viajaron hasta llegar a un lugar, en donde Manco detuvo la puesta del sol para crear, en un día, una ciudad. A esa ciudad la llamaron Qosqo, lo que hoy es Cusco.

LA IMPORTANCIA DE LAS ESTRELLAS PARA LOS INCAS

En el Perú, los incas creían que todo lo que existe en el mundo tiene un propósito de ser. Por tal razón, definieron constelaciones de luz y oscuridad. Además, le asignaron un objetivo a cada estrella. 

Es decir, la astronomía fue el motor para la civilización inca. Se valían de las estrellas para realizar sus múltiples actividades. Por ejemplo, tan solo les bastaba ver el cielo estrellado para saber el mejor momento de la siembra y la cosecha.

En resumen, de acuerdo a las formas y posiciones de las estrellas, los incas lograron:

• Deducir el comportamiento de las personas, plantas y animales.
• Pronosticar los tiempos de lluvia y sequía.
• Determinar las estaciones.
• Identificar el tiempo propicio para la siembra y la cosecha.
• Saber el momento adecuado para construir edificaciones de madera.
• Conseguir el éxito en sus combates, etc.

LAS ESTRELLAS REFLEJADAS EN CONSTRUCCIONES INCAS

Los incas creían que el sol era su guía. Por lo tanto, en función a la estrella el sol, construyeron Machu Picchu en el Cusco.

Además, de acuerdo a diversos estudios, se sabe que las antiguas edificaciones de la ciudad del Cusco fueron diseñadas para imitar las constelaciones.

Asimismo, se descubrió que muchas ciudades incas como Ollantaytambo, Pisac, etc., están alineadas geodésicamente.

LA ESTRELLA COMO UN DIOS

Los incas creían que muchos elementos naturales deberían ser considerados como dioses porque ellos proveen los insumos para sobrevivir. Por consiguiente, consideraron a la estrella el sol como uno de sus dioses principales, al que llamaron Inti.

Asimismo, adoraron a la Killa (la luna), a la tierra, a las montañas, a los ríos, al trueno y a otras creaciones naturales.

EL PLANETARIUM CUSCO

Observar las estrellas en Cusco es genial, pero resulta increíble y sorprendente apreciarlas, a través del Planetarium Cusco.

El Planetarium Cusco, no solo es un observatorio astronómico, sino que es un centro de interpretación de la astronomía de los incas.

Además, es considerado como uno de los planetarios más originales del mundo porque está rodeado de bellos paisajes naturales.

Ciertamente, el Planetarium Cusco, además de proporcionarte el relajo visual, te inyecta un cúmulo de conocimientos de cómo los incas interpretaron las estrellas.

El Planetarium Cusco se encuentra a quince minutos del Centro Histórico del Cusco.

La experiencia alucinante, que se vive en el Planetarium Cusco, tiene el siguiente recorrido:

• Primero. Visita a la sala de interpretación. Aquí, se cuentan historias y se comparten datos interesantes que ayudan a comprender las razones que tuvieron los incas para observar las estrellas.
• Segundo. Visita al domo. Aquí, se podrá disfrutar de una increíble proyección del cielo estrellado y de las constelaciones incas. Además, podrás conocer las historias que se tejen detrás de ellas.
• Tercero. Uso de los telescopios profesionales. A través de ellos, podrás observar numerosas estrellas, nebulosas, planetas y las constelaciones más importantes de los cielos del hemisferio sur.

Sin duda, las estrellas fueron y son cruciales para todas las civilizaciones. No solo por su aspecto místico, sino también por su importancia en la orientación y la ubicación.

ESCRITO POR: JHONATAN OMAR CHAVEZ VENTURA

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